Esta vanguardia tiene origen en la escisión del dadaísmo. Surge en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton.
La pintura surrealista se manifiesta de dos formas distintas: por un lado tenemos el automatismo, y por otro lado el onirismo.
En el automatismo, los elementos que componen el cuadro del artista surgen desde el inconciente del mismo y la intervención del azar. Se deja que la pluma circule sin atarse a regla alguna. Mostraban un máximo de libertad y exposición directa del inconciente.
En cuanto al onirismo, es la representación de todo tipo de figuras relativas a los sueños. Cabe destacar que en estas épocas se plantea el surgimiento del psicoanálisis, lo que influye en esta corriente. Dispone de cierto método paranoico-crítico destinado a la interpretación misma de la obra.
En la brecha de estas dos posturas bien definidas, surge un grupo que engloba características de ambas, y logra combinar los elementos automatistas con los relativos a los sueños.
El primer manifiesto surrealista:
Durante el mismo, André Breton expresa la necesidad de volcarse hacia el mundo de los sueños, y retomar la imaginación. El sostiene que la sociedad en la que vivimos, con sus reglas, nos limita la imaginación. Ya que, si pasados ciertos parámetros, corremos los riesgos de que nos califiquen insanos mentalmente hablando.
Comenta la necesidad de hallar la liberación de la imaginación volcándose o encerrándose en uno mismo, en un mundo propio de ensueños, donde todo es posible y nos expresamos libremente, sin ataduras, desde nuestro inconciente. Dejar de lado el racionalismo desenfrenado, que conlleva a limitarnos a la hora de actuar, pensar y expresarnos.
Hay que devolverle a la imaginación los derechos que le corresponden, es lo que en pocas líneas comenta Breton en el manifiesto.
El segundo manifiesto surrealista:
Recalca la necesidad de buscar en el interior espiritual de uno los deseos más ínfimos. Así como también determina que la misión del surrealismo es ocuparse constantemente de reproducir artificialmente el momento ideal del hombre, donde es presa de una emoción particular, como ocurre en los sueños. Y mantener contacto con esa emoción, no escapar de la misma. Esto de representar, le permite dar un salto desde la realidad física hacia el ámbito de lo inmortal.
El manejo de todo este tipo de emociones, le otorga al artista la llave de una caja que alberga todo tipo de emociones que lo compone. Que en un momento, estuvieron reprimidas por la sociedad en la que se encuentra inmersa.
(nota: en el libro se ofrecen muchas críticas que hace André Breton a otros surrealistas, tengan en cuenta que cuando digo "crítica" me refiero al sentido amplio de la palabra, como un mecanismo por el cuál se analiza tal o cual situación y se expone lo subjetivo)
viernes, 10 de octubre de 2008
Dadaísmo
El movimiento dadaísta surge en pleno apogeo de la Primera Guerra (1913/16). El mismo tiene como principal idea el exponer un objeto cotidiano a su análisis, dentro de obras totalmente irracionales, con intenciones de ridiculizar todo lo relativo a la tecnología. A diferencia de los futuristas, ellos no creen que los avances tecnológicos hayan acarreado un progreso positivo, sino todo lo contrario. El desarrollo de las maquinarias trajo guerras, no bienestar, por lo que se oponen al mismo. Sostienen una postura antimecanicista.
Tzara fue el creador del arte dada en 1916, participando en un local-cabaret en Zurich, el cuál se exponían obras de índole dadaísta, desde poemas recitados hasta actuaciones. Según el, más que una teoría, el dada era una protesta. Siendo Zurich un país neutral en referente a la guerra, las personas que concurrían a este local, no lograron comprender a la perfección lo que se explicaba en el mismo, por lo que al pasar unos meses, tuvo que cerrar sus puertas. De todos modos, surgen distintos focos dadaístas a partir de esta idea.
Por un lado encontramos los dadaístas berlineses, fueron los más comprometidos con la extrema izquierda, desarrollaron técnicas de collage y fotomontaje. También se encontraba el foco en Hannover, un tanto más constructivo, y no tan destructivo y nihilista. También encontramos dadaístas en Colonia, sostenían cierto perfeccionismo, obras pictóricas y collages. Y el grupo dadaísta parisino, guiado por André Breton, que luego va a separarse para dar lugar al surrealismo.
Dentro de esta vanguardia, predominan las técnicas del ready made y el collage.
Manifiesto 1918:
Durante el mismo expresa su negativa frente a los mismos manifiestos y comenta la idea de que está en contra de todo tipo de principios y sentido común.
Dada en si no significa nada como palabra.
El dadaísmo sostiene que la belleza es relativa, por ser subjetiva, por lo que una obra de arte no debe verse ligada a críticas. Las obras no son ni bellas, ni tristes, ni felices, ni nada similar, porque todo eso es subjetivo. Todo mundo crea arte a su manera.
El dada es en si la necesidad de independencia y desconfianza hacia la comunidad, el irrumpir con toda organización. Proclaman su libertad, diciendo que ellos no pertenecen a ningún tipo de laboratorios de ideas formales, ni reconocen teorías algunas. También afirma que el artista nuevo protesta no pinta. Detalla también que no hay explicación racional, porque todo es demasiado relativo, el mismo pensamiento es relativo.
El arte se crea para satisfacción del mismo artista, lo hace para el.
Tzara fue el creador del arte dada en 1916, participando en un local-cabaret en Zurich, el cuál se exponían obras de índole dadaísta, desde poemas recitados hasta actuaciones. Según el, más que una teoría, el dada era una protesta. Siendo Zurich un país neutral en referente a la guerra, las personas que concurrían a este local, no lograron comprender a la perfección lo que se explicaba en el mismo, por lo que al pasar unos meses, tuvo que cerrar sus puertas. De todos modos, surgen distintos focos dadaístas a partir de esta idea.
Por un lado encontramos los dadaístas berlineses, fueron los más comprometidos con la extrema izquierda, desarrollaron técnicas de collage y fotomontaje. También se encontraba el foco en Hannover, un tanto más constructivo, y no tan destructivo y nihilista. También encontramos dadaístas en Colonia, sostenían cierto perfeccionismo, obras pictóricas y collages. Y el grupo dadaísta parisino, guiado por André Breton, que luego va a separarse para dar lugar al surrealismo.
Dentro de esta vanguardia, predominan las técnicas del ready made y el collage.
Manifiesto 1918:
Durante el mismo expresa su negativa frente a los mismos manifiestos y comenta la idea de que está en contra de todo tipo de principios y sentido común.
Dada en si no significa nada como palabra.
El dadaísmo sostiene que la belleza es relativa, por ser subjetiva, por lo que una obra de arte no debe verse ligada a críticas. Las obras no son ni bellas, ni tristes, ni felices, ni nada similar, porque todo eso es subjetivo. Todo mundo crea arte a su manera.
El dada es en si la necesidad de independencia y desconfianza hacia la comunidad, el irrumpir con toda organización. Proclaman su libertad, diciendo que ellos no pertenecen a ningún tipo de laboratorios de ideas formales, ni reconocen teorías algunas. También afirma que el artista nuevo protesta no pinta. Detalla también que no hay explicación racional, porque todo es demasiado relativo, el mismo pensamiento es relativo.
El arte se crea para satisfacción del mismo artista, lo hace para el.
Futurismo
El futurismo tiene sus inicios con la publicación de su primer manifiesto en el año 1909 en Italia, el mismo fue expuesto por F. Marinetti. En el cuál se muestra una ideología nihilista (negación de todo principio político, religioso y social) y un amor hacia todos los avances tecnológicos.
Esta vanguardia buscaba desligarse completamente del pasado, ya que negándolo iban a arribar a una mejor comprensión del futuro, de lo moderno.
Los temas que abordaban eran relativos a los avances tecnológicos, siendo las ciudades una de las principales fuentes inspiradoras. La velocidad cobra cierta importancia para este grupo de artistas, y logran recrearla a través de la técnica del simultaneismo. La sensación del movimiento, de lo dinámico es lo que predomina en toda esta vanguardia.
Manifiesto del futurismo:
En el mismo se expresa: el coraje, la idea de que no temen a nada, un amor al peligro, un vuelco agresivo hacia todo, la belleza radica en la velocidad y la lucha, se da un alto desprecio hacia todo lo pasado, la moral y hacia la mujer y los movimientos feministas. Consideran a la guerra como una acción que va a higienizar el mundo. Y ven la belleza en la ciudad y los avances tecnológicos.
Plantean que el mismo es un manifiesto de violencia, en especial dirigida hacia todo tiempo pasado y emblema de este (es decir, bibliotecas, museos, etc.) ya que ven en el como la oportunidad de un bloqueo hacia lo moderno. Sienten que deben deshacerse de todo tiempo pasado, para dejar arribar todo lo nuevo. Y comentan que cuando ellos sean pasado, desean que se tomen las mismas medidas contra ellos, que se los elimine y queme todo lo que han hecho, porque no desean mirar al pasado, aún cuando ellos sean el pasado.
Dentro del manifiesto se expresa que el arte no puede ser más que la violencia, crueldad e injusticia. Y que sus corazones están alimentados con fuego, odio y velocidad.
Manifiesto futurista de los pintores:
En el mismo recalca la idea del desprecio hacia lo antiguo y cualquier forma de imitación (recalca esto, por la crítica a los retratistas, paisajistas, etc.). Y a su vez, la pasión hacia lo nuevo, hacia el hoy. Dice que así como se ha tomado de fuente de inspiración en los tiempos pasados las figuras religiosas, se debe utilizar el mismo énfasis en cuanto a la inspiración, pero no entorno a la religión, sino a las maravillas de los avances tecnológicos, que son los verdaderos milagros. Sostienen que los pintores que se guardan en las técnicas y tradiciones, quedan atrapados en una falsa modernidad, y que el hecho de no avanzar es porque no disponen la cualidad mental para hacerlo o bien son demasiado “perezosos” para producir un avance, y por este motivo, deben considerarse enemigos del futurismo.
Durante el mismo, se comenta que tanto los concursos, como los críticos y exposiciones con fines de mercadeo o que involucren dinero de por medio, ayudan a fomentar la prostitución del arte. Esto quiere decir, que fomenta que el artista genere una obra no de protesta, sino evocado a lo clásico, porque es lo que funcionó en un tiempo pasado.
La escultura Futurista:
En la misma la crítica hacia el apego por lo antiguo es aún más fuerte, ya que comenta que aún en la pintura hay más cambios que en la escultura. Reflexiona y critica a las esculturas y los artistas creadores de las mismas, donde argumenta que al parecer los escultores se encuentran dentro de un circuito que no abandonan, siguen en la talla de representaciones, ya exploradas en el pasado, buscando tener una marca propia e innovadora. Culpa a las limitaciones del estudio del desnudo en su concepto académico como parte de este atraso. Y comenta que para que se de un avance en el mismo, debe de encontrar nuevas fuentes de inspiración, como así lo es la rudeza. Se debe dar vida a los objetos haciendo sensible, sistemática y plástica su prolongación en el espacio. La renovación se va a dar buscando el estilo del movimiento. Proclama que se debe abolir la línea finita y la estatua cerrada, y que a la misma debemos abrirla para dejar filtrar en ella el ambiente.
Esta vanguardia buscaba desligarse completamente del pasado, ya que negándolo iban a arribar a una mejor comprensión del futuro, de lo moderno.
Los temas que abordaban eran relativos a los avances tecnológicos, siendo las ciudades una de las principales fuentes inspiradoras. La velocidad cobra cierta importancia para este grupo de artistas, y logran recrearla a través de la técnica del simultaneismo. La sensación del movimiento, de lo dinámico es lo que predomina en toda esta vanguardia.
Manifiesto del futurismo:
En el mismo se expresa: el coraje, la idea de que no temen a nada, un amor al peligro, un vuelco agresivo hacia todo, la belleza radica en la velocidad y la lucha, se da un alto desprecio hacia todo lo pasado, la moral y hacia la mujer y los movimientos feministas. Consideran a la guerra como una acción que va a higienizar el mundo. Y ven la belleza en la ciudad y los avances tecnológicos.
Plantean que el mismo es un manifiesto de violencia, en especial dirigida hacia todo tiempo pasado y emblema de este (es decir, bibliotecas, museos, etc.) ya que ven en el como la oportunidad de un bloqueo hacia lo moderno. Sienten que deben deshacerse de todo tiempo pasado, para dejar arribar todo lo nuevo. Y comentan que cuando ellos sean pasado, desean que se tomen las mismas medidas contra ellos, que se los elimine y queme todo lo que han hecho, porque no desean mirar al pasado, aún cuando ellos sean el pasado.
Dentro del manifiesto se expresa que el arte no puede ser más que la violencia, crueldad e injusticia. Y que sus corazones están alimentados con fuego, odio y velocidad.
Manifiesto futurista de los pintores:
En el mismo recalca la idea del desprecio hacia lo antiguo y cualquier forma de imitación (recalca esto, por la crítica a los retratistas, paisajistas, etc.). Y a su vez, la pasión hacia lo nuevo, hacia el hoy. Dice que así como se ha tomado de fuente de inspiración en los tiempos pasados las figuras religiosas, se debe utilizar el mismo énfasis en cuanto a la inspiración, pero no entorno a la religión, sino a las maravillas de los avances tecnológicos, que son los verdaderos milagros. Sostienen que los pintores que se guardan en las técnicas y tradiciones, quedan atrapados en una falsa modernidad, y que el hecho de no avanzar es porque no disponen la cualidad mental para hacerlo o bien son demasiado “perezosos” para producir un avance, y por este motivo, deben considerarse enemigos del futurismo.
Durante el mismo, se comenta que tanto los concursos, como los críticos y exposiciones con fines de mercadeo o que involucren dinero de por medio, ayudan a fomentar la prostitución del arte. Esto quiere decir, que fomenta que el artista genere una obra no de protesta, sino evocado a lo clásico, porque es lo que funcionó en un tiempo pasado.
La escultura Futurista:
En la misma la crítica hacia el apego por lo antiguo es aún más fuerte, ya que comenta que aún en la pintura hay más cambios que en la escultura. Reflexiona y critica a las esculturas y los artistas creadores de las mismas, donde argumenta que al parecer los escultores se encuentran dentro de un circuito que no abandonan, siguen en la talla de representaciones, ya exploradas en el pasado, buscando tener una marca propia e innovadora. Culpa a las limitaciones del estudio del desnudo en su concepto académico como parte de este atraso. Y comenta que para que se de un avance en el mismo, debe de encontrar nuevas fuentes de inspiración, como así lo es la rudeza. Se debe dar vida a los objetos haciendo sensible, sistemática y plástica su prolongación en el espacio. La renovación se va a dar buscando el estilo del movimiento. Proclama que se debe abolir la línea finita y la estatua cerrada, y que a la misma debemos abrirla para dejar filtrar en ella el ambiente.
Cubismo
El cubismo data una anterioridad en las pinturas del último período de Cezanne, pero nace en 1907 con las experiencias de Picasso, con Las Señoritas de Avignon.
Se van a dar dos instancias dentro del mismo, una parte más geométrica y analítica, y la otra parte con los temas más abocados a lo natural.
En si, lo que intenta demostrar el cubismo, es recrear una tercera dimensión, sin recurrir al uso de la perspectiva. Buscaban lograr en sus cuadros, exponer distintas miradas sobre el mismo, para que uno pueda rodear la figura para comprenderla mejor, aún cuando se trataba de algo recreado en un soporte bidimensional.
La primera etapa comprende a los temas más naturales, como son la naturaleza muerta y objetos cotidianos, los cuales toman aspectos insólitos para cumplir con esta regla. Durante la misma el color es sumamente restringido.
Durante la investigación del mismo cubismo entre 1909 y 1911, Picasso junto con Braque, descubren la técnica del collage, una técnica que caracterizó bastante la época y que conllevó al pasaje de la segunda época. Ya que cuando comenzó el mismo, fue pegando distintos papeles dentro de una superficie cuadrada, luego fueron incorporando materiales, y logró atraerlos para evocarlos más hacia las figuras geométricas.
Apollinaire:
La pintura, simbolizándola con el fuego y goza de tres virtudes: la pureza, la unidad y la verdad.
La pureza se logra al humanizar el arte y divinizar la personalidad. No tolera lo ajeno y transforma todo aquello que alcanza. La unidad mágica hace que al dividir, cada parte tenga un reparo de similitud al fuego mismo de donde nació. Y la verdad, es la parte que nadie puede negar. Estas tres virtudes se necesitan mutuamente para existir, sin una, no se pueden expresar las otras.
Apollinaire explica también que uno no puede acarrear con el trabajo de un artista que estuvo antes que uno, porque estaríamos estancándonos en nosotros mismos, y no alcanzaríamos el grado de pureza. La pureza la conseguimos trabajando nosotros mismos en nuestro propio arte. Y así como nosotros no cargamos con los ideales de alguien más, no podemos cargar a alguien con los nuestros con nuestros logros.
Cada quién tiene algo que descubrir. El dice “No conocemos todos los colores y cada hombre inventa uno nuevo”, con esta frase nos explica como cada uno tiene la oportunidad de crear algo nuevo, porque es nuestra naturaleza, y cada quién es único en su pasado, presente y futuro.
Comenta que ya no es tan necesario tener un tema sobre que pintar, ya que lo que buscan no es recrear algo ya puesto, sino lograr las sensaciones que provoca el mirar una obra de arte. Y hacen lo posible por lograr adquirir la 4ta dimensionalidad.
Una sociedad sin arte, estaría condenada a la monotonía, estaría deshumanizada. Los nuevos artistas, son un retrato vivo de la humanidad.
Apollinaire habla acerca de los “errores colectivos” del arte, los mismos comenta que no son errores, sino simplemente otros modos de ver las cosas, otras escuelas, otros conocimientos, otras épocas. Y que los mismos nunca pueden ser colectivos, ya que cada obra es fruto de una persona en particular. Por lo que debemos aceptar todo tipo de arte, por más despreciable que nos resulte, porque de algún lado el mismo se inspiró, y en algún momento se admiró, y va a volver a pasar. No es que sea horrible, si no que es incomprendido para la época.
Lo que distingue al cubismo de otras pinturas, es que no es un arte de imitación, sino un arte de concepción que tiende a elevarse hasta la creación.
Hay distintas ramas del cubismo:
1. Cubismo científico (puro): se pinta con elementos tomados de la realidad del conocimiento. Incluye el lado geométrico del cubismo.
2. Cubismo físico (impuro): se pintan conjuntos nuevos, a partir de elementos tomados de la realidad visual. El tema se confunde con las imágenes
3. Cubismo órfico (puro): conjuntos nuevos tomados creados totalmente del artista. Abstracción.
4. Cubismo instintivo (impuro): las realidades expresadas son intuidas por el artista, tiene cierta tendencia hacia el onirismo. Busca una belleza más allá de la comprendida por la humanidad, busca una belleza universal.
Se van a dar dos instancias dentro del mismo, una parte más geométrica y analítica, y la otra parte con los temas más abocados a lo natural.
En si, lo que intenta demostrar el cubismo, es recrear una tercera dimensión, sin recurrir al uso de la perspectiva. Buscaban lograr en sus cuadros, exponer distintas miradas sobre el mismo, para que uno pueda rodear la figura para comprenderla mejor, aún cuando se trataba de algo recreado en un soporte bidimensional.
La primera etapa comprende a los temas más naturales, como son la naturaleza muerta y objetos cotidianos, los cuales toman aspectos insólitos para cumplir con esta regla. Durante la misma el color es sumamente restringido.
Durante la investigación del mismo cubismo entre 1909 y 1911, Picasso junto con Braque, descubren la técnica del collage, una técnica que caracterizó bastante la época y que conllevó al pasaje de la segunda época. Ya que cuando comenzó el mismo, fue pegando distintos papeles dentro de una superficie cuadrada, luego fueron incorporando materiales, y logró atraerlos para evocarlos más hacia las figuras geométricas.
Apollinaire:
La pintura, simbolizándola con el fuego y goza de tres virtudes: la pureza, la unidad y la verdad.
La pureza se logra al humanizar el arte y divinizar la personalidad. No tolera lo ajeno y transforma todo aquello que alcanza. La unidad mágica hace que al dividir, cada parte tenga un reparo de similitud al fuego mismo de donde nació. Y la verdad, es la parte que nadie puede negar. Estas tres virtudes se necesitan mutuamente para existir, sin una, no se pueden expresar las otras.
Apollinaire explica también que uno no puede acarrear con el trabajo de un artista que estuvo antes que uno, porque estaríamos estancándonos en nosotros mismos, y no alcanzaríamos el grado de pureza. La pureza la conseguimos trabajando nosotros mismos en nuestro propio arte. Y así como nosotros no cargamos con los ideales de alguien más, no podemos cargar a alguien con los nuestros con nuestros logros.
Cada quién tiene algo que descubrir. El dice “No conocemos todos los colores y cada hombre inventa uno nuevo”, con esta frase nos explica como cada uno tiene la oportunidad de crear algo nuevo, porque es nuestra naturaleza, y cada quién es único en su pasado, presente y futuro.
Comenta que ya no es tan necesario tener un tema sobre que pintar, ya que lo que buscan no es recrear algo ya puesto, sino lograr las sensaciones que provoca el mirar una obra de arte. Y hacen lo posible por lograr adquirir la 4ta dimensionalidad.
Una sociedad sin arte, estaría condenada a la monotonía, estaría deshumanizada. Los nuevos artistas, son un retrato vivo de la humanidad.
Apollinaire habla acerca de los “errores colectivos” del arte, los mismos comenta que no son errores, sino simplemente otros modos de ver las cosas, otras escuelas, otros conocimientos, otras épocas. Y que los mismos nunca pueden ser colectivos, ya que cada obra es fruto de una persona en particular. Por lo que debemos aceptar todo tipo de arte, por más despreciable que nos resulte, porque de algún lado el mismo se inspiró, y en algún momento se admiró, y va a volver a pasar. No es que sea horrible, si no que es incomprendido para la época.
Lo que distingue al cubismo de otras pinturas, es que no es un arte de imitación, sino un arte de concepción que tiende a elevarse hasta la creación.
Hay distintas ramas del cubismo:
1. Cubismo científico (puro): se pinta con elementos tomados de la realidad del conocimiento. Incluye el lado geométrico del cubismo.
2. Cubismo físico (impuro): se pintan conjuntos nuevos, a partir de elementos tomados de la realidad visual. El tema se confunde con las imágenes
3. Cubismo órfico (puro): conjuntos nuevos tomados creados totalmente del artista. Abstracción.
4. Cubismo instintivo (impuro): las realidades expresadas son intuidas por el artista, tiene cierta tendencia hacia el onirismo. Busca una belleza más allá de la comprendida por la humanidad, busca una belleza universal.
Expresionismo
Surge un año antes de la Primera Guerra Mundial. Por este motivo va a tratar temas antipositivistas como la opresión, el temor, la miseria, y también, gracias a los descubrimientos de S. Freíd, sobre la desnudez.
El primer grupo surge en Dresde, en 1905. Del mismo, uno de sus miembros, Kirchner, va a presentar en 1906 el primer manifiesto expresionista. En el cuál se expresa su carácter moderno, y como plantea que la juventud va a ser la nueva destinataria del arte moderno. Dentro de sus obras se van a ver temas como la calle, los edificios, los coches, las ciudades y los transeúntes. También van a trabajar con la xilografía, con lo cuál hacen a sus trazados más punzantes, con ángulos más agudos, líneas y quebradas.
Durante 1910, este grupo va a buscar ampliarse y expandirse, por lo que se va a dirigir a Berlín. En este lugar se incorporan al movimiento artistas como Kandinsky y Paul Klee. Quienes van a publicar la revista Almanaque, que va a ser más bien como una especie de anuario, en el cuál van a salir publicadas obras de arte de todo tipo y gusto, junto con escritos. Esta va a discontinuar su publicación una vez que se inicia la Guerra.
En lo que respecta a los adeptos del movimiento en Munich, cabe destacar que sus obras eran menos agresivas, utilizaban curvas, las escalas cromáticas eran más armoniosas, y los temas no tan negativos.
Esto va a producir cierto vuelque luego en el período bélico, donde se van a volcar más hacia el primer momento, más sufrido. Un claro ejemplo de este cambio es Barlach, que en el período preguerra sus actores en las obras eran campesinos, y luego de este cambio de la condición social, sus obras cambian los personajes por mendigos, vagabundos e indigentes, mostrando el dolor que atravesaban, haciendo hincapié en lo devastador de la época.
Macke:
Este autor cuando escribe trata de contar como a través de los sentidos somos capaces de alcanzar lo inalcanzable, de abrazar lo no tangible. También comenta sobre las formas. El dice que el hombre genera formas, y estas formas exteriores creadas representan su interior. Cada una de estas formas recrea una experiencia que ha tenido el mismo con la relación con su entorno (por sobre todo, lo natural), “las formas intensas son expresiones de una vida intensa”.
Kandinsky:
Evoca a la idea de lo espiritual en el arte, comenta como es necesario no dejar caer nuestras ideas. El hace una analogía con un triángulo, ubicando en la parte superior a lo que es el hoy y todas sus ideas, y en la parte más baja, ideas que ya no son consideradas tan irracionales, y que quizás se encuentren un tanto más contaminadas. En todos los estratos creados hay artistas, que sirven de sustento al movimiento mismo, haciendo que el mismo se eleve o se hunda aún más profundo. A medida que se hunde, se pierde el alma, porque el artista va abandonando un poco su visión de lo que era en un principio su idea original, esto puede ocurrir cuando comienza a mezclar la misma con los escalones más debajo de los el se encuentra, debilitando el movimiento.
También comenta la idea de cómo las personas dejaron de concentrarse en enriquecer el alma, para buscar enriquecerse a nivel económico, tratando de llenarse de bienes materiales, jactándose de su progreso. Los visionarios, según el, son envueltos en un mundo de ensueños, sintiendo deseos de la vida espiritual, son aquellos que se encuentran en la cúspide de este triángulo, son los artistas. Y comenta la discriminación hacia ellos por enfocarse en este crecimiento del espíritu.
En síntesis, habla sobre como hay artistas que dejan de trabajar para expresarse y crecer a nivel espiritual, solamente para aumentar su capital económico, dejando ver obras frías y carentes de un sentido real para el mismo. Y como a veces los visionarios, que no se dejan plasmar por el ojo del comprador, se ven cuestionados en su afán de aumentar su nivel espiritual.
El primer grupo surge en Dresde, en 1905. Del mismo, uno de sus miembros, Kirchner, va a presentar en 1906 el primer manifiesto expresionista. En el cuál se expresa su carácter moderno, y como plantea que la juventud va a ser la nueva destinataria del arte moderno. Dentro de sus obras se van a ver temas como la calle, los edificios, los coches, las ciudades y los transeúntes. También van a trabajar con la xilografía, con lo cuál hacen a sus trazados más punzantes, con ángulos más agudos, líneas y quebradas.
Durante 1910, este grupo va a buscar ampliarse y expandirse, por lo que se va a dirigir a Berlín. En este lugar se incorporan al movimiento artistas como Kandinsky y Paul Klee. Quienes van a publicar la revista Almanaque, que va a ser más bien como una especie de anuario, en el cuál van a salir publicadas obras de arte de todo tipo y gusto, junto con escritos. Esta va a discontinuar su publicación una vez que se inicia la Guerra.
En lo que respecta a los adeptos del movimiento en Munich, cabe destacar que sus obras eran menos agresivas, utilizaban curvas, las escalas cromáticas eran más armoniosas, y los temas no tan negativos.
Esto va a producir cierto vuelque luego en el período bélico, donde se van a volcar más hacia el primer momento, más sufrido. Un claro ejemplo de este cambio es Barlach, que en el período preguerra sus actores en las obras eran campesinos, y luego de este cambio de la condición social, sus obras cambian los personajes por mendigos, vagabundos e indigentes, mostrando el dolor que atravesaban, haciendo hincapié en lo devastador de la época.
Macke:
Este autor cuando escribe trata de contar como a través de los sentidos somos capaces de alcanzar lo inalcanzable, de abrazar lo no tangible. También comenta sobre las formas. El dice que el hombre genera formas, y estas formas exteriores creadas representan su interior. Cada una de estas formas recrea una experiencia que ha tenido el mismo con la relación con su entorno (por sobre todo, lo natural), “las formas intensas son expresiones de una vida intensa”.
Kandinsky:
Evoca a la idea de lo espiritual en el arte, comenta como es necesario no dejar caer nuestras ideas. El hace una analogía con un triángulo, ubicando en la parte superior a lo que es el hoy y todas sus ideas, y en la parte más baja, ideas que ya no son consideradas tan irracionales, y que quizás se encuentren un tanto más contaminadas. En todos los estratos creados hay artistas, que sirven de sustento al movimiento mismo, haciendo que el mismo se eleve o se hunda aún más profundo. A medida que se hunde, se pierde el alma, porque el artista va abandonando un poco su visión de lo que era en un principio su idea original, esto puede ocurrir cuando comienza a mezclar la misma con los escalones más debajo de los el se encuentra, debilitando el movimiento.
También comenta la idea de cómo las personas dejaron de concentrarse en enriquecer el alma, para buscar enriquecerse a nivel económico, tratando de llenarse de bienes materiales, jactándose de su progreso. Los visionarios, según el, son envueltos en un mundo de ensueños, sintiendo deseos de la vida espiritual, son aquellos que se encuentran en la cúspide de este triángulo, son los artistas. Y comenta la discriminación hacia ellos por enfocarse en este crecimiento del espíritu.
En síntesis, habla sobre como hay artistas que dejan de trabajar para expresarse y crecer a nivel espiritual, solamente para aumentar su capital económico, dejando ver obras frías y carentes de un sentido real para el mismo. Y como a veces los visionarios, que no se dejan plasmar por el ojo del comprador, se ven cuestionados en su afán de aumentar su nivel espiritual.
jueves, 9 de octubre de 2008
En lo que respecta al 1er Parcial
Bueno, hasta donde yo se, y espero saber bien...
Nos van a tomar los 5 capítulos antes expuestos del libro La sintaxis de la imagen de Dondis, el texto de Arts and Crafts de Morris, junto a las vanguardias que trabajamos en el taller. Por lo que las próximas, las analizaré cuando disponga de más tiempo que el justo y necesario.
Las vanguardias vistas en el taller son:
Expresionismo
Cubismo
Futurismo
Dadaísmo
Surrealismo
Antes que nada, me parece correcto ubicar históricamente a las vanguardias.
El período de las vanguardias se durante el siglo XX luego de la 1era Guerra Mundial. Tenemos un mundo relativamente en caos, muchas inquietudes y dudas.
El artista no tan solo va a usar sus obras para manifestar lo que siente, sino que también va a exponer escritos, así como lo son los manifiestos de cada una. En estos manifiestos se va a explicar su visión, su idiología de forma directa, clara y concisa. Los mismos generaron reflexiones sobre los diferentes temas artísticos.
Otro punto más, durante la creación de figuras, en esta época se descubre el arte africano, por lo que muchas vanguardias van a tender a representar un par de cosas similares a este, en especial el expresionismo y parte del cubismo.
En fin... ahora si... A leer...
Nos van a tomar los 5 capítulos antes expuestos del libro La sintaxis de la imagen de Dondis, el texto de Arts and Crafts de Morris, junto a las vanguardias que trabajamos en el taller. Por lo que las próximas, las analizaré cuando disponga de más tiempo que el justo y necesario.
Las vanguardias vistas en el taller son:
Expresionismo
Cubismo
Futurismo
Dadaísmo
Surrealismo
Antes que nada, me parece correcto ubicar históricamente a las vanguardias.
El período de las vanguardias se durante el siglo XX luego de la 1era Guerra Mundial. Tenemos un mundo relativamente en caos, muchas inquietudes y dudas.
El artista no tan solo va a usar sus obras para manifestar lo que siente, sino que también va a exponer escritos, así como lo son los manifiestos de cada una. En estos manifiestos se va a explicar su visión, su idiología de forma directa, clara y concisa. Los mismos generaron reflexiones sobre los diferentes temas artísticos.
Otro punto más, durante la creación de figuras, en esta época se descubre el arte africano, por lo que muchas vanguardias van a tender a representar un par de cosas similares a este, en especial el expresionismo y parte del cubismo.
En fin... ahora si... A leer...
La sintaxis de la imagen - D.A. Dondis (Capítulo 5)
5. Dinámica del contraste:
El contraste es una de las técnicas visuales cuya función es ayudar a controlar el significado visual.
Contraste y armonía:
El contraste es una fuerza vital para la creación de un todo coherente. Es decir, a partir del contraste se distinguen los extremos que componen un mensaje visual, al ser tan marcado, logra intensificar el mensaje, previene los errores en la captación del mismo.
Junto con la armonía, representan un avance y un proceso muy activo de ver los datos visuales. Es nuestra manera de comprender lo que vemos.
Ambos puntos son de igual importancia en la comunicación del mensaje, a pesar de que se presenten como opuestos.
El ser humano, tiene cierta tendencia a avocarse hacia la armonía dado a que la misma refleja un estado de sosiego, de resolución, de meditación. Existe una necesidad que tiene el ser de organizar de forma racional y reducir la tensión y explicar, resolver, todas las confusiones que disponga. Una tendencia de arribar a un “equilibrio absoluto”. El contraste es el rival a esta necesidad. Es totalmente lo contrario a este deseo, ya que sacude, estimula, desordena y atrae la visión hacia el. Sin el, se considera que se llegaría a un clímax cercano al de la muerte, no habría sensaciones.
Los psicólogos comentan que los sueños son un acto en el cuál el ser limpia la psiquis, saca todo aquello que la envenena para mantener la salud mental. Así como también la vida nos demanda experiencias sensoriales, el ver todo el tiempo más y más, sin nunca alcanzar satisfacernos, poniéndonos en contacto con el mundo y todas sus complejidades, abriendo así “el ojo de nuestra mente”.
El papel del contraste en la visión:
A través de la tonalidad, y sus gamas oscilantes entre la luz y la oscuridad, entre el blanco y el negro absoluto, uno logra apreciar por la diversidad de los tonos lo que ocurre, uno puede ver. Si esto así no existiera, es decir, no habría luz, estaríamos como ciegos ante un negro absoluto. Por lo que la existencia del tono se hace vital para nuestra vida cotidiana. Ahora bien, ¿que pasaría si no existiera un contraste entre estos tonos? Estaríamos exactamente en la misma posición, estaríamos inmersos en un gris medio, estaríamos ciegos, pero no dentro de un negro, sino dentro de un gris. Por este motivo, es necesario comentar que no hace falta solamente la luz para poder ver, sino también la existencia del contraste entre las tonalidades. Que nos van a permitir experimentar y conocer las distintas dimensiones y condiciones que nos rodean, vamos a poder discriminar un objeto de otro y refinar nuestro conocimiento.
El papel del contraste en la composición:
A la hora de generar una composición, debemos tener en cuenta el contraste de la misma, porque lleva a quién esté observando el mensaje a descifrarlo, a jugar con el, a tomarse el tiempo de mirarlo y analizarlo, ya que el contraste funciona como el aguzamiento. El contraste provoca, si bien las personas tienden en su naturaleza a buscar un equilibrio absoluto, por lo que uno sospecharía que sería más de su agrado algo armonioso o nivelado, también desean que el mensaje los busque. Y esto es lo que logra, los incita a mirar una y otra vez, llama la atención del observador, y logra que el mensaje sea más dinámico y de mayor importancia. Cuando tenemos contraste, nos ayuda a dar importancia a las partes expuestas contrastantes, ya que resalta su característica única, agudiza el mensaje.
Una obra de arte está compuesta por sus equilibrios y desequilibrios, sus tenciones y sus resoluciones, una obra está compuesta por sus pares opuestos que ayudan a resaltarse entre ellos.
Contraste de tonos:
Según la intensidad del contraste tonal, vamos a poder percibir las divisiones dentro del campo observado. Si este no existiera, no habría una clara división de las partes, y así como hemos comentado previamente, veríamos simplemente una masa.
Contraste de colores:
Además de la dimensión del tono en lo que respecta a la posición del contraste, se da otro de misma importancia, el contraste entre lo cálido y lo frío. Siendo cálidos los pertenecientes a la gama que va en el círculo cromático desde el rojo al amarillo, y frío entre el azul y el verde. Cada uno, como antes comentamos en el análisis del color, refleja algo en particular que ayuda a reforzar la calidad del mensaje. En cuanto a las gamas cálidas, expresa la idea de expansión, siendo la gama de los colores fríos utilizados para indicar distancias. La calidez de los mismos no es el único contraste generado entre los colores, otros muy importantes son los pares opuestos y el simultáneo. Que ayudan a aguzar la idea del mensaje, ya que cuando se superponen provocan uno en el otro una intensidad máxima.
Contraste de contornos:
Este contraste sirve para intensificar las intenciones del diseñador. Por un lado tenemos los contornos irregulares e imprevisibles, y por el otro los regulares, sencillos y resueltos. Cuando estos mismos se yuxtaponen, se genera un contraste que ayuda a agudizar el mensaje que se explica, se genera un efecto dramático.
Contraste de escala:
Cuando se habla del contraste de escala, se habla de la alteración de las escalas mismas expuestas en el mensaje. Hay una manipulación de la misma en la cuál se puede sacar de algún objeto en particular del contexto para someterlo al análisis profundo del mismo, para lograr una idea en particular, dentro de la composición creada. Lograr atribuir un significado a algo planteado.
Con respecto a los contrastes en general, los mismos nos sirven para abandonar la ambigüedad en la que a veces nos introducimos sin querer al representar una idea o mensaje. Si logramos modificar correctamente lo vago y lo generalizado dentro de un estado preciso, habremos vencido este inconveniente. Ya que el mismo nos puede ayudar a mostrar un orden de prioridad en el análisis, nos ayuda a organizar la composición general para hacerla más clara y precisa.
El contraste es una de las técnicas visuales cuya función es ayudar a controlar el significado visual.
Contraste y armonía:
El contraste es una fuerza vital para la creación de un todo coherente. Es decir, a partir del contraste se distinguen los extremos que componen un mensaje visual, al ser tan marcado, logra intensificar el mensaje, previene los errores en la captación del mismo.
Junto con la armonía, representan un avance y un proceso muy activo de ver los datos visuales. Es nuestra manera de comprender lo que vemos.
Ambos puntos son de igual importancia en la comunicación del mensaje, a pesar de que se presenten como opuestos.
El ser humano, tiene cierta tendencia a avocarse hacia la armonía dado a que la misma refleja un estado de sosiego, de resolución, de meditación. Existe una necesidad que tiene el ser de organizar de forma racional y reducir la tensión y explicar, resolver, todas las confusiones que disponga. Una tendencia de arribar a un “equilibrio absoluto”. El contraste es el rival a esta necesidad. Es totalmente lo contrario a este deseo, ya que sacude, estimula, desordena y atrae la visión hacia el. Sin el, se considera que se llegaría a un clímax cercano al de la muerte, no habría sensaciones.
Los psicólogos comentan que los sueños son un acto en el cuál el ser limpia la psiquis, saca todo aquello que la envenena para mantener la salud mental. Así como también la vida nos demanda experiencias sensoriales, el ver todo el tiempo más y más, sin nunca alcanzar satisfacernos, poniéndonos en contacto con el mundo y todas sus complejidades, abriendo así “el ojo de nuestra mente”.
El papel del contraste en la visión:
A través de la tonalidad, y sus gamas oscilantes entre la luz y la oscuridad, entre el blanco y el negro absoluto, uno logra apreciar por la diversidad de los tonos lo que ocurre, uno puede ver. Si esto así no existiera, es decir, no habría luz, estaríamos como ciegos ante un negro absoluto. Por lo que la existencia del tono se hace vital para nuestra vida cotidiana. Ahora bien, ¿que pasaría si no existiera un contraste entre estos tonos? Estaríamos exactamente en la misma posición, estaríamos inmersos en un gris medio, estaríamos ciegos, pero no dentro de un negro, sino dentro de un gris. Por este motivo, es necesario comentar que no hace falta solamente la luz para poder ver, sino también la existencia del contraste entre las tonalidades. Que nos van a permitir experimentar y conocer las distintas dimensiones y condiciones que nos rodean, vamos a poder discriminar un objeto de otro y refinar nuestro conocimiento.
El papel del contraste en la composición:
A la hora de generar una composición, debemos tener en cuenta el contraste de la misma, porque lleva a quién esté observando el mensaje a descifrarlo, a jugar con el, a tomarse el tiempo de mirarlo y analizarlo, ya que el contraste funciona como el aguzamiento. El contraste provoca, si bien las personas tienden en su naturaleza a buscar un equilibrio absoluto, por lo que uno sospecharía que sería más de su agrado algo armonioso o nivelado, también desean que el mensaje los busque. Y esto es lo que logra, los incita a mirar una y otra vez, llama la atención del observador, y logra que el mensaje sea más dinámico y de mayor importancia. Cuando tenemos contraste, nos ayuda a dar importancia a las partes expuestas contrastantes, ya que resalta su característica única, agudiza el mensaje.
Una obra de arte está compuesta por sus equilibrios y desequilibrios, sus tenciones y sus resoluciones, una obra está compuesta por sus pares opuestos que ayudan a resaltarse entre ellos.
Contraste de tonos:
Según la intensidad del contraste tonal, vamos a poder percibir las divisiones dentro del campo observado. Si este no existiera, no habría una clara división de las partes, y así como hemos comentado previamente, veríamos simplemente una masa.
Contraste de colores:
Además de la dimensión del tono en lo que respecta a la posición del contraste, se da otro de misma importancia, el contraste entre lo cálido y lo frío. Siendo cálidos los pertenecientes a la gama que va en el círculo cromático desde el rojo al amarillo, y frío entre el azul y el verde. Cada uno, como antes comentamos en el análisis del color, refleja algo en particular que ayuda a reforzar la calidad del mensaje. En cuanto a las gamas cálidas, expresa la idea de expansión, siendo la gama de los colores fríos utilizados para indicar distancias. La calidez de los mismos no es el único contraste generado entre los colores, otros muy importantes son los pares opuestos y el simultáneo. Que ayudan a aguzar la idea del mensaje, ya que cuando se superponen provocan uno en el otro una intensidad máxima.
Contraste de contornos:
Este contraste sirve para intensificar las intenciones del diseñador. Por un lado tenemos los contornos irregulares e imprevisibles, y por el otro los regulares, sencillos y resueltos. Cuando estos mismos se yuxtaponen, se genera un contraste que ayuda a agudizar el mensaje que se explica, se genera un efecto dramático.
Contraste de escala:
Cuando se habla del contraste de escala, se habla de la alteración de las escalas mismas expuestas en el mensaje. Hay una manipulación de la misma en la cuál se puede sacar de algún objeto en particular del contexto para someterlo al análisis profundo del mismo, para lograr una idea en particular, dentro de la composición creada. Lograr atribuir un significado a algo planteado.
Con respecto a los contrastes en general, los mismos nos sirven para abandonar la ambigüedad en la que a veces nos introducimos sin querer al representar una idea o mensaje. Si logramos modificar correctamente lo vago y lo generalizado dentro de un estado preciso, habremos vencido este inconveniente. Ya que el mismo nos puede ayudar a mostrar un orden de prioridad en el análisis, nos ayuda a organizar la composición general para hacerla más clara y precisa.
La sintaxis de la imagen - D.A. Dondis (Capítulo 4)
4. La anatomía del mensaje visual:
Los mensajes visuales se expresan y perciben en tres niveles, estos son: representacional, simbólico y abstracto. Y entre estos mismos se encuentran interrelacionados. El acto de ver es el encargado de clasificar todas estas ramificaciones.
Cabe destacar que aprendemos instintivamente e intelectualmente a comprender y maniobrar con todo tipo de maquinarias y artefactos en el entorno basándonos en los mensajes visuales.
También es bueno comprender, que no todos vemos exactamente lo mismo a la hora de recibir un mensaje o información de este tipo. Hay observadores que ven más allá de lo que representa a simple vista un mensaje visual.
Representación:
Este nivel evoca a todo aquello que tenga semejanzas muy marcadas con el entorno real, que se pare en la descripción idéntica de lo que se expresa, por ejemplo, una fotografía.
Procura marcar bien todo detalle necesario que disponga, desde el color a minuciosas partes del mismo, para ser lo más cercano e identificable a lo real. Logran ser referencias fidedignas de la realidad, con un leve grado de abstracción (esto quiere decir, que no se ampara en cualidades efímeras en la representación, solamente las necesarias para identificar la realidad)
Simbolismo:
A la rama anterior, si se logra avanzar un grado más aún de abstracción, puede arribarse a un nivel simbólico. El mismo representa la simplicidad del objeto en su grado más alto, con la menor cantidad de detalles posibles (pero aún entendible). Ya que estos deben verse, reconocerse, recordarse y reproducirse.
Estos pueden involucrar un significado experimental o bien arbitrariamente atribuido. Para esto último, para que el mensaje llegue a ser comprendido, el observador debe tener acceso a cierta educación. Mientras más abstracto sea el símbolo, mayor va a tener que ser la educación.
Para mejorar la línea de la interpretación, debe tenerse en cuenta que el símbolo debe de ser sencillo, referirse a un grupo, idea, negocio, institución o partido político.
Debo recordar que no necesariamente este símbolo debe repararse en algún acontecimiento o producto de la naturaleza como en el primero de los niveles, bien puede ser netamente arbitrario, como por ejemplo, el símbolo de la paz. A veces, este grado de abstracción y necesidad de educación para su comprensión logra hacer que la transmisión de la información sea más exacta que uno que ha surgido en un primer momento de lo natural.
Esto se convierte en un código auxiliar del lenguaje escrito, donde se sintetiza aún más la información, lo que lo hace más viable a la hora de registrarla y comunicarla a una audiencia masiva. Por ejemplo, las notas musicales.
Abstracción:
La abstracción es el último nivel, el mismo no tiene reparos en guardar relación alguna con lo real, como es en el caso de lo representacional o simbólico.
Sirve para la comprensión y estructuración de los mensajes visuales, dado a que la misma es la reducción total de los esquemas planteados. Es una simplificación tendente a un significado más intenso y destilado, desprovista hasta el extremo de quedar reducida a una información representacional mínima. Y en su grado más ínfimo de pureza, puede no establecer conexión con lo visual conocido (sea ambiental o relativo a las experiencias)
En sus principios, la abstracción a nivel artístico, guardaba cierta similitud con lo real, alterando detalles en los elementos, así como eran el color, la luz, las texturas etc. Arribando al pronto paso a un total abandono de lo familiar, a favor del espacio, el color y la textura, dedicándose a las respuestas de contenido y composiciones meramente. Cambiando desde la preocupación por la observación, hacia la preocupación por expresar lo que dicta el corazón. Abandonando lo natural.
Interacción entre los tres niveles:
Durante el ensamblaje de un mensaje visual, se pueden disponer de los tres niveles planteados: representacional, simbólico y abstracto. Cada uno de ellos dispone de características especiales que ayudan entre ellos a delimitarse y resaltarse. Su interacción es lo que logra una mejor claridad en el mensaje. Es bueno mencionar que no tan solo el artista debe ser conciente de estos niveles para poder llevarlo a cabo, sino que también la persona que recibe el mensaje debe ser capaz de reconocer los mismos.
Cada uno de los niveles aporta algo a la comunicación del mensaje visual, el nivel realista aporta la semejanza con la naturaleza, lo que lo hace más comprensible, el nivel abstracto representa más lo emotivo, lo más puro de las expresiones, y en cuanto al nivel simbólico, por sus establecidos significados logra reforzar el mensaje visual de muchos modos.
Para la creación de un mensaje eficiente, el creador debe tener una gran secuencialidad de pasos y bocetos previos, logrando ubicar todo lo que desee explicar. El mensaje visual no es espontáneo, es considerado, es pensado y reflexionado. Debe seleccionar claramente cuales son los elementos de los que se va a valer y cuales van a ser su ubicación dentro de la composición para lograr su finalidad. Todo tiene un porqué dentro de la misma, y el estudiar la alfabetidad visual nos ayuda a comprenderlo.
Los mensajes visuales se expresan y perciben en tres niveles, estos son: representacional, simbólico y abstracto. Y entre estos mismos se encuentran interrelacionados. El acto de ver es el encargado de clasificar todas estas ramificaciones.
Cabe destacar que aprendemos instintivamente e intelectualmente a comprender y maniobrar con todo tipo de maquinarias y artefactos en el entorno basándonos en los mensajes visuales.
También es bueno comprender, que no todos vemos exactamente lo mismo a la hora de recibir un mensaje o información de este tipo. Hay observadores que ven más allá de lo que representa a simple vista un mensaje visual.
Representación:
Este nivel evoca a todo aquello que tenga semejanzas muy marcadas con el entorno real, que se pare en la descripción idéntica de lo que se expresa, por ejemplo, una fotografía.
Procura marcar bien todo detalle necesario que disponga, desde el color a minuciosas partes del mismo, para ser lo más cercano e identificable a lo real. Logran ser referencias fidedignas de la realidad, con un leve grado de abstracción (esto quiere decir, que no se ampara en cualidades efímeras en la representación, solamente las necesarias para identificar la realidad)
Simbolismo:
A la rama anterior, si se logra avanzar un grado más aún de abstracción, puede arribarse a un nivel simbólico. El mismo representa la simplicidad del objeto en su grado más alto, con la menor cantidad de detalles posibles (pero aún entendible). Ya que estos deben verse, reconocerse, recordarse y reproducirse.
Estos pueden involucrar un significado experimental o bien arbitrariamente atribuido. Para esto último, para que el mensaje llegue a ser comprendido, el observador debe tener acceso a cierta educación. Mientras más abstracto sea el símbolo, mayor va a tener que ser la educación.
Para mejorar la línea de la interpretación, debe tenerse en cuenta que el símbolo debe de ser sencillo, referirse a un grupo, idea, negocio, institución o partido político.
Debo recordar que no necesariamente este símbolo debe repararse en algún acontecimiento o producto de la naturaleza como en el primero de los niveles, bien puede ser netamente arbitrario, como por ejemplo, el símbolo de la paz. A veces, este grado de abstracción y necesidad de educación para su comprensión logra hacer que la transmisión de la información sea más exacta que uno que ha surgido en un primer momento de lo natural.
Esto se convierte en un código auxiliar del lenguaje escrito, donde se sintetiza aún más la información, lo que lo hace más viable a la hora de registrarla y comunicarla a una audiencia masiva. Por ejemplo, las notas musicales.
Abstracción:
La abstracción es el último nivel, el mismo no tiene reparos en guardar relación alguna con lo real, como es en el caso de lo representacional o simbólico.
Sirve para la comprensión y estructuración de los mensajes visuales, dado a que la misma es la reducción total de los esquemas planteados. Es una simplificación tendente a un significado más intenso y destilado, desprovista hasta el extremo de quedar reducida a una información representacional mínima. Y en su grado más ínfimo de pureza, puede no establecer conexión con lo visual conocido (sea ambiental o relativo a las experiencias)
En sus principios, la abstracción a nivel artístico, guardaba cierta similitud con lo real, alterando detalles en los elementos, así como eran el color, la luz, las texturas etc. Arribando al pronto paso a un total abandono de lo familiar, a favor del espacio, el color y la textura, dedicándose a las respuestas de contenido y composiciones meramente. Cambiando desde la preocupación por la observación, hacia la preocupación por expresar lo que dicta el corazón. Abandonando lo natural.
Interacción entre los tres niveles:
Durante el ensamblaje de un mensaje visual, se pueden disponer de los tres niveles planteados: representacional, simbólico y abstracto. Cada uno de ellos dispone de características especiales que ayudan entre ellos a delimitarse y resaltarse. Su interacción es lo que logra una mejor claridad en el mensaje. Es bueno mencionar que no tan solo el artista debe ser conciente de estos niveles para poder llevarlo a cabo, sino que también la persona que recibe el mensaje debe ser capaz de reconocer los mismos.
Cada uno de los niveles aporta algo a la comunicación del mensaje visual, el nivel realista aporta la semejanza con la naturaleza, lo que lo hace más comprensible, el nivel abstracto representa más lo emotivo, lo más puro de las expresiones, y en cuanto al nivel simbólico, por sus establecidos significados logra reforzar el mensaje visual de muchos modos.
Para la creación de un mensaje eficiente, el creador debe tener una gran secuencialidad de pasos y bocetos previos, logrando ubicar todo lo que desee explicar. El mensaje visual no es espontáneo, es considerado, es pensado y reflexionado. Debe seleccionar claramente cuales son los elementos de los que se va a valer y cuales van a ser su ubicación dentro de la composición para lograr su finalidad. Todo tiene un porqué dentro de la misma, y el estudiar la alfabetidad visual nos ayuda a comprenderlo.
La sintaxis de la imagen - D.A. Dondis (Capítulo 3)
3. Elementos básicos de la comunicación visual:
Los elementos visuales son los que componen los mensajes y dan lugar a la comunicación visual. No hay que confundir que por más simples que parezcan, estos mismos dan lugar a composiciones complejas.
La puesta de cada uno de los elementos y su manipulación obedece a un conjunto, que genera un mensaje que el artista, diseñador o artesano desea explicar. Por lo que no es posible alterar solo uno de ellos sin alterar toda la composición. Ya que los mismos trabajan en conjunto para reflejar una idea particular. El hábil manejo de los mismos y el conocimiento de cada uno de estos recursos, hace que la persona adquiera cierta libertad a la hora de expresarse y disponga de miles de opciones para representar lo deseado.
El punto:
Es la unidad más simple, irreductiblemente mínima. Normalmente se plantea con cierta redondez, pero puede lograr encontrarse en raras ocasiones como una recta o cuadrado.
El punto puede cumplir varias funciones, puede delimitar un espacio, generar atracción sobre algo en especial, y cuando se ubican de a 2 o más, pueden servir como instrumento de medición (mientras más complicada sea, más puntos requiere). Cabe recordar en esta descripción, las medidas antes explicadas de la percepción humana y como una línea sucesiva de puntos provocan la idea de unión entre ambos, por lo que los mismos pueden delimitar una figura o bien atribuirle valores de tono o color a los mismos en su yuxtaposición o gran cantidad (evocando principios de atracción y agrupamiento)
La línea:
Cuando la sucesión de puntos se genera de tal forma que se pierden los límites entre uno y otro, se origina la línea. La línea da un carácter un poco más fuerte de lo que es la dirección de un elemento. También se puede definir la misma como la historia del movimiento de un punto mismo, mostrando una marca continua sobre una superficie. Esta cualidad de fluido libre, da la oportunidad de la libertad de expresión, además de que la misma se presta flexible para seguir el capricho de quien la emplee mostrando formas muy diversas.
Cada línea dispone de una dirección y un propósito específico asignado por el artista, cumple con una tarea definida por el mismo. Y tiene la versatilidad de hallarse dentro de su libertad, rigurosa y técnica y servir para todo tipo de diagrama, desde los de gran precisión métrica a bocetos espontáneos, o la misma escritura (ya que esta no es más que un mapa de líneas dispuestas). Puede representar emociones, así como también puede mostrarse totalmente fría.
La línea es el medio indispensable para visualizar lo que aún vive en la imaginación, ya que esta encierra la información visual precisa y esencial.
El contorno:
Es la delimitación que describe una línea.
Existen tres contornos básicos fundamentales, que son figuras planas y simples:
1. El círculo: se asocian los significados de calidez, protección e infinitud
2. El triángulo: la acción, el conflicto y la tensión
3. El cuadrado: honestidad, torpeza, rectitud y esmero
Pueden describirse y construirse fácilmente, tanto verbalmente como visualmente. Y a partir de los mismos, y sus variaciones y combinaciones derivadas, se pueden englobar todas las formas físicas de la naturaleza y la imaginación.
Dirección:
Todos los contornos básicos, expresan tres direcciones visuales básicas, y cada una de ellas tiene un fuerte significado asociativo en lo que respecta a los ideales en función al equilibrio. Son generadoras de la intención compositiva, dirigida a un efecto y un significado final específico.
Las direcciones son:
1. El cuadrado = La dirección horizontal y vertical = Bienestar, equilibrio
2. El círculo = La dirección curva = Encuadramiento, calor, repetición.
3. El triángulo = La dirección diagonal = Provocación, inestabilidad, amenaza.
Tono:
Los tonos son intensidades de oscuridad o claridad del objeto que se observa, es la variación producto entre la luz y la oscuridad. Se dan de forma uniforme en el objeto, haciéndonos saber cual parte se encuentra más próxima a la luz en su reflejo, y cuál no. El mismo nos da referencia del entorno en el que se encuentra inmerso el mismo, y su proximidad. Vemos lo oscuro porque está próximo o se superpone a lo claro, y viceversa. Su manipulación nos permite trabajar con la dimensión, ayuda a reforzar la apariencia de realidad, genera volumen. También hacemos de uso todo el tiempo, para poder establecer nuestras relaciones con el entorno de lejanía y proximidad, no es algo que se basa únicamente a lo gráfico, sino también a la vida en general. Gracias a la distinción de tonos, vemos.
Color:
El color se vale más que nada por su importancia comunicacional, si bien no es esencial como los tonos para poder llevar a cabo nuestra vida, el color está sumamente cargado de la representación de las emociones, representando o no una conexión natural con el ambiente, es decir, puede darse de forma simbólica. Y de ahí la importancia que dispone en el mensaje visual, son estímulos comunes.
Cada color tiene numerosos significados asociativos y simbólicos, por ejemplo, el rojo, el rojo representa la ira, la pasión, el peligro, el amor, etc. Por lo que nos ofrece un amplio vocabulario a la hora de comunicarnos visualmente. También cabe destacar que uno puede seleccionar un color por gusto propio, y no por lo que simboliza, pero a su vez el mismo, quizás no comunique una idea clara y comprensible a nivel simbólico, pero está comentando mucho sobre uno mismo.
El color dispone de tres dimensiones que pueden definirse y medirse:
1. Matiz: es el color mismo o croma, con sus características particulares. Hay tres matices primarios y cada uno dispone de una cualidad fundamental, estos son: el amarillo (se considera el más próximo a la luz, expresa calor, se suaviza al mezclarse con el azul, tiene tendencia a expandirse); el rojo (es el más emocional y activo, se apacigua con el azul, y activa con el amarillo, tiene tendencia a expandirse); y el azul (es pasivo y suave, tiene tendencia a contraerse)
2. La saturación: esto tiene que ver con respecto a los grados de pureza que se muestra en cada croma. Un color más saturado es uno que se encuentra más puro, y se considera más cargado de emoción y expresión. Ahora bien un color menos saturados, es aquél que tiene cierto grado de gris incorporado en el mismo, suelen ser más sutiles, tranquilizadores y muestran cierta neutralidad.
3. Acromática: Esta dimensión abarca la tonalidad del color, se refiere al brillo. Va desde la luz hacia la oscuridad.
Hay un efecto que produce la exposición por un tiempo determinado a un color, llamado la “posimagen”. Una vez que uno pasa cierto tiempo mirando una imagen, cuando desea recrear luego de esto la misma en una superficie lisa, ve una imagen con el color complementario al que había estado observando. Por ejemplo el foco amarillo que tenemos en casa, supongamos que uno pasa un tiempo viendo el mismo encendido, ahora bien, intentemos mirar la pared blanca, he aquí que lo que observaremos es la posimagen violeta. Que es el color complementario al amarillo del foco. A partir de este fenómeno, se ha distribuido la posición de los colores en el círculo cromático, lo que conlleva a saber que, cuando uno decide mezclar ambos colores opuestos, estos se anulan. Y esto ocurre por el valor que disponen, en el ejemplo, el amarillo es el más cercano a la luminosidad, y el violeta a la oscuridad.
Textura:
Es un elemento doble, ya que ampara tanto al sentido de la vista como al del tacto. Aunque bien puede no representarse al tacto y si solamente a la vista. Cuando se habla de una textura real, significa que conviven en estas ambas cualidades. Normalmente al percibir una textura, nos avocamos a nuestra experiencia previa, mayoritariamente visual.
Tenemos en cuenta una textura como la composición de una sustancia que logra variaciones diminutas en su superficie material.
Escala:
Las escalas son las relaciones que se dan de tamaño y proporción con las cosas que lo rodean. Sin lo pequeño, no puede existir lo grande.
Las mismas suelen atribuirse un valor en correspondencia a la realidad, se emplea una escala, que es en si un sistema que sirve para proyectar en distintos tamaños las proporciones reales, y que lo representado no quede desproporcionado en referente a lo que es en realidad.
En síntesis, ayuda a manipular el espacio con el que se cuenta, haciendo que todo entre como debería ser, sin errar a las proporciones.
Dimensión:
Es la ilusión que hace que de un plano bidimensional, se tome en cuenta como algo tridimensional. El método que logra esto por excelencia es la perspectiva. A través de un sistema de líneas que convergen hacia puntos específicos, se logra dar la sensación visual de que dispone más dimensiones de las que realmente tiene. Esta ilusión puede resaltarse aún más con la utilización de la tonalidad, el manejo del claro-oscuro.
Otra forma de recurrir a la misma en la comunicación visual, es la utilización de la cámara. Que recrea un campo visual prácticamente a la perfección, con la diferencia de que el campo se ve limitado en un ángulo de exposición, a diferencia del ojo humano.
Movimiento:
La idea de movimiento en la comunicación visual, se basa prácticamente en nuestras experiencias de vida, que las asociamos a tal o cual detalle, lo que nos hace pensar en movimiento. Aún así, hay técnicas capaces de engañar al ojo humano, pero es más complicado mantener la realidad, no distorsionarla.
Los elementos visuales son los que componen los mensajes y dan lugar a la comunicación visual. No hay que confundir que por más simples que parezcan, estos mismos dan lugar a composiciones complejas.
La puesta de cada uno de los elementos y su manipulación obedece a un conjunto, que genera un mensaje que el artista, diseñador o artesano desea explicar. Por lo que no es posible alterar solo uno de ellos sin alterar toda la composición. Ya que los mismos trabajan en conjunto para reflejar una idea particular. El hábil manejo de los mismos y el conocimiento de cada uno de estos recursos, hace que la persona adquiera cierta libertad a la hora de expresarse y disponga de miles de opciones para representar lo deseado.
El punto:
Es la unidad más simple, irreductiblemente mínima. Normalmente se plantea con cierta redondez, pero puede lograr encontrarse en raras ocasiones como una recta o cuadrado.
El punto puede cumplir varias funciones, puede delimitar un espacio, generar atracción sobre algo en especial, y cuando se ubican de a 2 o más, pueden servir como instrumento de medición (mientras más complicada sea, más puntos requiere). Cabe recordar en esta descripción, las medidas antes explicadas de la percepción humana y como una línea sucesiva de puntos provocan la idea de unión entre ambos, por lo que los mismos pueden delimitar una figura o bien atribuirle valores de tono o color a los mismos en su yuxtaposición o gran cantidad (evocando principios de atracción y agrupamiento)
La línea:
Cuando la sucesión de puntos se genera de tal forma que se pierden los límites entre uno y otro, se origina la línea. La línea da un carácter un poco más fuerte de lo que es la dirección de un elemento. También se puede definir la misma como la historia del movimiento de un punto mismo, mostrando una marca continua sobre una superficie. Esta cualidad de fluido libre, da la oportunidad de la libertad de expresión, además de que la misma se presta flexible para seguir el capricho de quien la emplee mostrando formas muy diversas.
Cada línea dispone de una dirección y un propósito específico asignado por el artista, cumple con una tarea definida por el mismo. Y tiene la versatilidad de hallarse dentro de su libertad, rigurosa y técnica y servir para todo tipo de diagrama, desde los de gran precisión métrica a bocetos espontáneos, o la misma escritura (ya que esta no es más que un mapa de líneas dispuestas). Puede representar emociones, así como también puede mostrarse totalmente fría.
La línea es el medio indispensable para visualizar lo que aún vive en la imaginación, ya que esta encierra la información visual precisa y esencial.
El contorno:
Es la delimitación que describe una línea.
Existen tres contornos básicos fundamentales, que son figuras planas y simples:
1. El círculo: se asocian los significados de calidez, protección e infinitud
2. El triángulo: la acción, el conflicto y la tensión
3. El cuadrado: honestidad, torpeza, rectitud y esmero
Pueden describirse y construirse fácilmente, tanto verbalmente como visualmente. Y a partir de los mismos, y sus variaciones y combinaciones derivadas, se pueden englobar todas las formas físicas de la naturaleza y la imaginación.
Dirección:
Todos los contornos básicos, expresan tres direcciones visuales básicas, y cada una de ellas tiene un fuerte significado asociativo en lo que respecta a los ideales en función al equilibrio. Son generadoras de la intención compositiva, dirigida a un efecto y un significado final específico.
Las direcciones son:
1. El cuadrado = La dirección horizontal y vertical = Bienestar, equilibrio
2. El círculo = La dirección curva = Encuadramiento, calor, repetición.
3. El triángulo = La dirección diagonal = Provocación, inestabilidad, amenaza.
Tono:
Los tonos son intensidades de oscuridad o claridad del objeto que se observa, es la variación producto entre la luz y la oscuridad. Se dan de forma uniforme en el objeto, haciéndonos saber cual parte se encuentra más próxima a la luz en su reflejo, y cuál no. El mismo nos da referencia del entorno en el que se encuentra inmerso el mismo, y su proximidad. Vemos lo oscuro porque está próximo o se superpone a lo claro, y viceversa. Su manipulación nos permite trabajar con la dimensión, ayuda a reforzar la apariencia de realidad, genera volumen. También hacemos de uso todo el tiempo, para poder establecer nuestras relaciones con el entorno de lejanía y proximidad, no es algo que se basa únicamente a lo gráfico, sino también a la vida en general. Gracias a la distinción de tonos, vemos.
Color:
El color se vale más que nada por su importancia comunicacional, si bien no es esencial como los tonos para poder llevar a cabo nuestra vida, el color está sumamente cargado de la representación de las emociones, representando o no una conexión natural con el ambiente, es decir, puede darse de forma simbólica. Y de ahí la importancia que dispone en el mensaje visual, son estímulos comunes.
Cada color tiene numerosos significados asociativos y simbólicos, por ejemplo, el rojo, el rojo representa la ira, la pasión, el peligro, el amor, etc. Por lo que nos ofrece un amplio vocabulario a la hora de comunicarnos visualmente. También cabe destacar que uno puede seleccionar un color por gusto propio, y no por lo que simboliza, pero a su vez el mismo, quizás no comunique una idea clara y comprensible a nivel simbólico, pero está comentando mucho sobre uno mismo.
El color dispone de tres dimensiones que pueden definirse y medirse:
1. Matiz: es el color mismo o croma, con sus características particulares. Hay tres matices primarios y cada uno dispone de una cualidad fundamental, estos son: el amarillo (se considera el más próximo a la luz, expresa calor, se suaviza al mezclarse con el azul, tiene tendencia a expandirse); el rojo (es el más emocional y activo, se apacigua con el azul, y activa con el amarillo, tiene tendencia a expandirse); y el azul (es pasivo y suave, tiene tendencia a contraerse)
2. La saturación: esto tiene que ver con respecto a los grados de pureza que se muestra en cada croma. Un color más saturado es uno que se encuentra más puro, y se considera más cargado de emoción y expresión. Ahora bien un color menos saturados, es aquél que tiene cierto grado de gris incorporado en el mismo, suelen ser más sutiles, tranquilizadores y muestran cierta neutralidad.
3. Acromática: Esta dimensión abarca la tonalidad del color, se refiere al brillo. Va desde la luz hacia la oscuridad.
Hay un efecto que produce la exposición por un tiempo determinado a un color, llamado la “posimagen”. Una vez que uno pasa cierto tiempo mirando una imagen, cuando desea recrear luego de esto la misma en una superficie lisa, ve una imagen con el color complementario al que había estado observando. Por ejemplo el foco amarillo que tenemos en casa, supongamos que uno pasa un tiempo viendo el mismo encendido, ahora bien, intentemos mirar la pared blanca, he aquí que lo que observaremos es la posimagen violeta. Que es el color complementario al amarillo del foco. A partir de este fenómeno, se ha distribuido la posición de los colores en el círculo cromático, lo que conlleva a saber que, cuando uno decide mezclar ambos colores opuestos, estos se anulan. Y esto ocurre por el valor que disponen, en el ejemplo, el amarillo es el más cercano a la luminosidad, y el violeta a la oscuridad.
Textura:
Es un elemento doble, ya que ampara tanto al sentido de la vista como al del tacto. Aunque bien puede no representarse al tacto y si solamente a la vista. Cuando se habla de una textura real, significa que conviven en estas ambas cualidades. Normalmente al percibir una textura, nos avocamos a nuestra experiencia previa, mayoritariamente visual.
Tenemos en cuenta una textura como la composición de una sustancia que logra variaciones diminutas en su superficie material.
Escala:
Las escalas son las relaciones que se dan de tamaño y proporción con las cosas que lo rodean. Sin lo pequeño, no puede existir lo grande.
Las mismas suelen atribuirse un valor en correspondencia a la realidad, se emplea una escala, que es en si un sistema que sirve para proyectar en distintos tamaños las proporciones reales, y que lo representado no quede desproporcionado en referente a lo que es en realidad.
En síntesis, ayuda a manipular el espacio con el que se cuenta, haciendo que todo entre como debería ser, sin errar a las proporciones.
Dimensión:
Es la ilusión que hace que de un plano bidimensional, se tome en cuenta como algo tridimensional. El método que logra esto por excelencia es la perspectiva. A través de un sistema de líneas que convergen hacia puntos específicos, se logra dar la sensación visual de que dispone más dimensiones de las que realmente tiene. Esta ilusión puede resaltarse aún más con la utilización de la tonalidad, el manejo del claro-oscuro.
Otra forma de recurrir a la misma en la comunicación visual, es la utilización de la cámara. Que recrea un campo visual prácticamente a la perfección, con la diferencia de que el campo se ve limitado en un ángulo de exposición, a diferencia del ojo humano.
Movimiento:
La idea de movimiento en la comunicación visual, se basa prácticamente en nuestras experiencias de vida, que las asociamos a tal o cual detalle, lo que nos hace pensar en movimiento. Aún así, hay técnicas capaces de engañar al ojo humano, pero es más complicado mantener la realidad, no distorsionarla.
La sintaxis de la imagen - D.A. Dondis (Capítulo 2)
2. Composición: Los fundamentos sintácticos de la alfabetidad visual
Cuando se habla de un mensaje visual a transmitir, se debe tener en cuenta la composición de todos sus elementos, y lograr administrarlos de forma inteligente, para lograr recrear al máximo lo que se desea explicar a través de la obra. Si el artista logra coordinar bien cada una de las partes de la composición, va a poder transmitir el mensaje.
Si utilizamos un lenguaje, nos amparamos en la sintaxis como medio para organizar las palabras, tenemos un conjunto de reglas y solo resta usar nuestra inteligencia. Ahora bien, cuando intentamos comunicar con la alfabetidad visual, contamos con otro tipo de sintaxis, esta solamente puede ayudarnos a la hora de la disposición ordenada de las partes, el cómo abordamos el problema de la composición queda vetado en nuestro poder únicamente. No existen reglas que regulen la comprensión de la composición misma, lo único que tenemos a nuestro alcance, es tratar de comprender el proceso de percepción humana y usarlo a nuestro favor.
Percepción y comunicación visual:
Hay dos pasos específicos a la hora de diseñar, tenemos por un lado el paso creador, el input del diseñador, donde toma en cuenta los elementos (colores, tonos, texturas, contornos y proporciones) y los ordena dentro de su composición, y por otro lado, el ver, como se observa este objeto (en que entorno, bajo que condiciones, y si el mismo dispone de alguna funcionalidad, también se plantea en relación a la misma). Estos dos pasos, cuando se intenta definir un mensaje visual específico, están vinculados uno con otro, en una relación de dependencia recíproca. Y dejan connotar quién es el que lo diseñó y como piensa. Esto se nota, ya que la manipulación de los elementos queda a total disposición de la expresión subjetiva del artista, las variantes visuales son infinitas, por lo que el uso de una composición específica, el énfasis en ciertos elementos y el uso de ciertas técnicas para representar cada uno de ellos nos muestra el carácter o modo de pensar del mismo. Así como también la interpretación del significado depende de quién esté recibiendo el mensaje, entra en juego la expresión subjetiva, de los criterios en si del espectador. En el único punto que estos dos actores del proceso coinciden es en todo aquello que repara en el sistema físico de las percepciones visuales, los componentes psicofisiológicos del sistema nervioso, el funcionamiento mecánico y el aparato sensorial.
La Gestalt ha estudiado y recolectado datos sobre cómo funcionan los mecanismos de input y output en cuanto a como el organismo ve y organiza los patrones visuales (patterns visuales). Cada uno de estos estímulos son mediciones estáticas y las fuerzas psicofísicas son las que modifican, disponen o deshacen el equilibrio, tienen un carácter dinámico que no puede definirse. Entre ambas se encargan de la percepción del diseño. Por más abstracto que estos elementos piscofisiológicos sean, la connotación es intensa. Pone en contacto emociones y sentimientos que logran dar un significado esencial, se dispara directamente al inconciente.
No obstante, cabe destacar que hay elementos que disponen de un significado definible, siendo el mismo conocido por experiencias compartidas del entorno o de la vida, símbolos particulares.
Equilibrio:
Constantemente el hombre busca percibir equilibrio en su entorno, este es uno de los elementos más fuertes e interpretados por el mismo (a modo conciente e inconcientemente), siempre busca formular un arriba y abajo, una forma de orientarse y plantar sus dos pies sobre la tierra. Es un cálculo exacto y rápido, su intuición busca constantemente dar esta sensación. Por estos motivos, el hombre busca construir de forma horizontal-vertical. Cuando el equilibrio sencillo y estático no se da, se busca lograrlo a través de un reajuste del mismo, logrando equiparar las piezas, dando un peso relativamente igual hacia ambas partes en disposición de un eje vertical o eje sentido con un referente horizontal, para establecer así un equilibrio. Este eje es una constante inconciente.
Tensión:
Se genera cuando se logra un quiebre en el equilibrio, las partes se muestran desproporcionadas en base al eje sentido y la base horizontal, y se observa cierta atracción hacia el punto mismo. Esto es muy común en formas irregulares, con un detalle corrido del eje sentido o en composiciones complicadas.
Nivel y aguzamiento:
Se habla de nivelación cuando no se generan tensiones, se da la sensación de armonía, el detalle de la composición es central, se ampara dentro de lo que ubicamos en relación al eje sentido y al eje horizontal. Ahora bien, cuando esta pieza escapa a la alineación de los ejes, es excéntrica, incluso escapada de las diagonales marcadas por el mapa, se genera un aguzamiento en la figura, hay una falta total de equilibrio.
Hay una tercera situación dentro de esto que vale tener en cuenta, que es cuando se da la ambigüedad. Esto se da cuando el punto no esta claramente en el centro, ni tan fuera de el. Esto logra que se confunda al observador que espera lograr una estabilidad del objeto mismo en base a un equilibrio. La misma tiene a oscurecer el significado que intenta mostrar el mensaje visual, ya que su proceso de equilibramiento queda irresuelto, frustra el mensaje.
Preferencia por el ángulo inferior izquierdo:
Aunque no se encuentre bien determinado el porqué de esto, y las teorías sean varias sobre este acontecimiento, el ojo tiende siempre a buscar en el sector izquierdo hacia debajo de la composición. Algunos creen que esto se debe a que la irrigación sanguínea del lado izquierdo es mayor, así como también otros creen que es por un hecho de que en la cultura occidental estamos acostumbrados a leer desde la izquierda hacia la derecha. El punto esencial es que esta regla se cumple, siempre.
Esto ayuda a que, si por ejemplo, tenemos en este sector un mayor campo dentro de una composición con cierta tensión en el sector arriba a la derecha, nos resulta más nivelada y la tensión se reduce, el peso disminuye respecto a la situación contraria que nos daría una tensión máxima.
Algunos ejemplos:
Dentro de este punto en particular, se muestra como percibe el ser humano algunos ejemplos. Y explica la ley de Prägnanz. Esta ley explica como la persona se ve vinculada a los estímulos y califica como buena una composición por ser armoniosa, equilibrada, simétrica y simple, por ser deseable por el ser. Ya que la misma es menos provocativa a nivel emocional que una un tanto más complicada, exagerada, distorsionada y asimétrica. Es lo que comentábamos antes, sobre como el individuo busca constantemente un equilibrio ideal.
Atracción y agrupamiento:
Según la escuela Gestalt hay una ley de atracción que los objetos disponen dentro de una composición. El ser humano siente la necesidad de construir conjuntos enteros, el ojo es quien suple los enlaces faltantes para que se de la conexión. Esta ley se rige por la cercanía o lejanía entre un elemento y otro, lo que genera en los más cercanos, como la percepción de englobarlos, de analizarlos como un conjunto en relación o bien como uno solo, y tratar a los que se encuentran más distantes como que tratan de repelerse entre ellos. Mientras más próximos se encuentren, más fuerte será su atracción.
En cuanto a la ley de agrupamiento, se considera que: los opuestos se repelen y los semejantes se atraen. El hombre agrupa los elementos por similitud entre ellos, busca establecer una conexión entre ellos.
Positivo y Negativo:
Cuando se habla de positivo, se hace referencia al objeto que en el campo dominan las miradas, el que nos llama más la atención. La experiencia visual, nos hace saber que eso es lo positivo, dejando al negativo como la que representa mayor pasividad.
Cuando entre estos dos factores nos engañan, se generan las ilusiones ópticas, tan así, que a veces no logramos distinguir lo que percibimos de lo que realmente estamos viendo. Esto se da ya que el ojo busca una resolución simple a lo que ve, entonces como en estas figuras se da un predominio de un elemento sobre otro pequeño, se refuerza la ambigüedad del mensaje y capta lo más sencillo u obvio.
El positivo y el negativo, también suelen ayudarnos a reforzar las ideas de dimensiones, por ejemplo, si disponemos de una figura más grande que otra, de forma simultanea, tendemos a creer que la más pequeña se encuentra por detrás de esta. Así como también tiende a generarse la idea ilusoria del tamaño mismo y la proporción, por ejemplo, en el caso de una figura clara montada en un fondo oscuro, tendemos a considerar que la misma es más chica frente a otra de igual tamaño pero a la inversa, es decir, figura negra sobre fondo blanco.
Cabe destacar que la complejidad del modo visual nos permite una gama amplia de interpretaciones, pero el conocer los procesos perceptivos del espectador, nos ayuda a limitar la misma, para generar una respuesta específica a nuestra información brindada, podremos utilizar recursos especiales que recurran a nuestras intenciones de comunicación.
Cuando se habla de un mensaje visual a transmitir, se debe tener en cuenta la composición de todos sus elementos, y lograr administrarlos de forma inteligente, para lograr recrear al máximo lo que se desea explicar a través de la obra. Si el artista logra coordinar bien cada una de las partes de la composición, va a poder transmitir el mensaje.
Si utilizamos un lenguaje, nos amparamos en la sintaxis como medio para organizar las palabras, tenemos un conjunto de reglas y solo resta usar nuestra inteligencia. Ahora bien, cuando intentamos comunicar con la alfabetidad visual, contamos con otro tipo de sintaxis, esta solamente puede ayudarnos a la hora de la disposición ordenada de las partes, el cómo abordamos el problema de la composición queda vetado en nuestro poder únicamente. No existen reglas que regulen la comprensión de la composición misma, lo único que tenemos a nuestro alcance, es tratar de comprender el proceso de percepción humana y usarlo a nuestro favor.
Percepción y comunicación visual:
Hay dos pasos específicos a la hora de diseñar, tenemos por un lado el paso creador, el input del diseñador, donde toma en cuenta los elementos (colores, tonos, texturas, contornos y proporciones) y los ordena dentro de su composición, y por otro lado, el ver, como se observa este objeto (en que entorno, bajo que condiciones, y si el mismo dispone de alguna funcionalidad, también se plantea en relación a la misma). Estos dos pasos, cuando se intenta definir un mensaje visual específico, están vinculados uno con otro, en una relación de dependencia recíproca. Y dejan connotar quién es el que lo diseñó y como piensa. Esto se nota, ya que la manipulación de los elementos queda a total disposición de la expresión subjetiva del artista, las variantes visuales son infinitas, por lo que el uso de una composición específica, el énfasis en ciertos elementos y el uso de ciertas técnicas para representar cada uno de ellos nos muestra el carácter o modo de pensar del mismo. Así como también la interpretación del significado depende de quién esté recibiendo el mensaje, entra en juego la expresión subjetiva, de los criterios en si del espectador. En el único punto que estos dos actores del proceso coinciden es en todo aquello que repara en el sistema físico de las percepciones visuales, los componentes psicofisiológicos del sistema nervioso, el funcionamiento mecánico y el aparato sensorial.
La Gestalt ha estudiado y recolectado datos sobre cómo funcionan los mecanismos de input y output en cuanto a como el organismo ve y organiza los patrones visuales (patterns visuales). Cada uno de estos estímulos son mediciones estáticas y las fuerzas psicofísicas son las que modifican, disponen o deshacen el equilibrio, tienen un carácter dinámico que no puede definirse. Entre ambas se encargan de la percepción del diseño. Por más abstracto que estos elementos piscofisiológicos sean, la connotación es intensa. Pone en contacto emociones y sentimientos que logran dar un significado esencial, se dispara directamente al inconciente.
No obstante, cabe destacar que hay elementos que disponen de un significado definible, siendo el mismo conocido por experiencias compartidas del entorno o de la vida, símbolos particulares.
Equilibrio:
Constantemente el hombre busca percibir equilibrio en su entorno, este es uno de los elementos más fuertes e interpretados por el mismo (a modo conciente e inconcientemente), siempre busca formular un arriba y abajo, una forma de orientarse y plantar sus dos pies sobre la tierra. Es un cálculo exacto y rápido, su intuición busca constantemente dar esta sensación. Por estos motivos, el hombre busca construir de forma horizontal-vertical. Cuando el equilibrio sencillo y estático no se da, se busca lograrlo a través de un reajuste del mismo, logrando equiparar las piezas, dando un peso relativamente igual hacia ambas partes en disposición de un eje vertical o eje sentido con un referente horizontal, para establecer así un equilibrio. Este eje es una constante inconciente.
Tensión:
Se genera cuando se logra un quiebre en el equilibrio, las partes se muestran desproporcionadas en base al eje sentido y la base horizontal, y se observa cierta atracción hacia el punto mismo. Esto es muy común en formas irregulares, con un detalle corrido del eje sentido o en composiciones complicadas.
Nivel y aguzamiento:
Se habla de nivelación cuando no se generan tensiones, se da la sensación de armonía, el detalle de la composición es central, se ampara dentro de lo que ubicamos en relación al eje sentido y al eje horizontal. Ahora bien, cuando esta pieza escapa a la alineación de los ejes, es excéntrica, incluso escapada de las diagonales marcadas por el mapa, se genera un aguzamiento en la figura, hay una falta total de equilibrio.
Hay una tercera situación dentro de esto que vale tener en cuenta, que es cuando se da la ambigüedad. Esto se da cuando el punto no esta claramente en el centro, ni tan fuera de el. Esto logra que se confunda al observador que espera lograr una estabilidad del objeto mismo en base a un equilibrio. La misma tiene a oscurecer el significado que intenta mostrar el mensaje visual, ya que su proceso de equilibramiento queda irresuelto, frustra el mensaje.
Preferencia por el ángulo inferior izquierdo:
Aunque no se encuentre bien determinado el porqué de esto, y las teorías sean varias sobre este acontecimiento, el ojo tiende siempre a buscar en el sector izquierdo hacia debajo de la composición. Algunos creen que esto se debe a que la irrigación sanguínea del lado izquierdo es mayor, así como también otros creen que es por un hecho de que en la cultura occidental estamos acostumbrados a leer desde la izquierda hacia la derecha. El punto esencial es que esta regla se cumple, siempre.
Esto ayuda a que, si por ejemplo, tenemos en este sector un mayor campo dentro de una composición con cierta tensión en el sector arriba a la derecha, nos resulta más nivelada y la tensión se reduce, el peso disminuye respecto a la situación contraria que nos daría una tensión máxima.
Algunos ejemplos:
Dentro de este punto en particular, se muestra como percibe el ser humano algunos ejemplos. Y explica la ley de Prägnanz. Esta ley explica como la persona se ve vinculada a los estímulos y califica como buena una composición por ser armoniosa, equilibrada, simétrica y simple, por ser deseable por el ser. Ya que la misma es menos provocativa a nivel emocional que una un tanto más complicada, exagerada, distorsionada y asimétrica. Es lo que comentábamos antes, sobre como el individuo busca constantemente un equilibrio ideal.
Atracción y agrupamiento:
Según la escuela Gestalt hay una ley de atracción que los objetos disponen dentro de una composición. El ser humano siente la necesidad de construir conjuntos enteros, el ojo es quien suple los enlaces faltantes para que se de la conexión. Esta ley se rige por la cercanía o lejanía entre un elemento y otro, lo que genera en los más cercanos, como la percepción de englobarlos, de analizarlos como un conjunto en relación o bien como uno solo, y tratar a los que se encuentran más distantes como que tratan de repelerse entre ellos. Mientras más próximos se encuentren, más fuerte será su atracción.
En cuanto a la ley de agrupamiento, se considera que: los opuestos se repelen y los semejantes se atraen. El hombre agrupa los elementos por similitud entre ellos, busca establecer una conexión entre ellos.
Positivo y Negativo:
Cuando se habla de positivo, se hace referencia al objeto que en el campo dominan las miradas, el que nos llama más la atención. La experiencia visual, nos hace saber que eso es lo positivo, dejando al negativo como la que representa mayor pasividad.
Cuando entre estos dos factores nos engañan, se generan las ilusiones ópticas, tan así, que a veces no logramos distinguir lo que percibimos de lo que realmente estamos viendo. Esto se da ya que el ojo busca una resolución simple a lo que ve, entonces como en estas figuras se da un predominio de un elemento sobre otro pequeño, se refuerza la ambigüedad del mensaje y capta lo más sencillo u obvio.
El positivo y el negativo, también suelen ayudarnos a reforzar las ideas de dimensiones, por ejemplo, si disponemos de una figura más grande que otra, de forma simultanea, tendemos a creer que la más pequeña se encuentra por detrás de esta. Así como también tiende a generarse la idea ilusoria del tamaño mismo y la proporción, por ejemplo, en el caso de una figura clara montada en un fondo oscuro, tendemos a considerar que la misma es más chica frente a otra de igual tamaño pero a la inversa, es decir, figura negra sobre fondo blanco.
Cabe destacar que la complejidad del modo visual nos permite una gama amplia de interpretaciones, pero el conocer los procesos perceptivos del espectador, nos ayuda a limitar la misma, para generar una respuesta específica a nuestra información brindada, podremos utilizar recursos especiales que recurran a nuestras intenciones de comunicación.
miércoles, 8 de octubre de 2008
La sintaxis de la imagen - D.A. Dondis (Capítulo 1)
1. Caracter y contenido de la alfabetidad visual
Así como el lenguaje escrito, que en este momento utilizo para comunicar lo que deseo explicar, el medio visual posee su propio lenguaje, su alfabeto. Y dispone de reglas básicas para poder comunicar.
En un principio este alfabeto visual era requerido solamente por personas allegadas a la rama del arte, hoy en día, es necesario ampliar las barreras de este lenguaje, y tratar de que un gran público pueda apreciar los mensajes visuales como debe ser, por lo tanto, deben ser instruidos para su comprensión.
El proceso de la visión, el acumular informaciones visuales, es requerido por el ser. Buscamos constantemente basar nuestro conocimiento en lo visual, por su proximidad a la experiencia real, ya que la capacidad de ver, supera abismalmente cada uno de los otros sentidos a la hora de fiarnos de ellos. Se busca esta representación icónica, y a partir de ella aprendemos y comprendemos de nuestro entorno.
La falsa dicotomía: Bellas Artes y Artes Aplicadas:
En este punto se disputa si existe la diferencia entre las Bellas Artes y las Artes Aplicadas basándose en su desarrollo y funcionalidad, atribuyendo solamente el carácter estético a las Bellas Artes y el carácter útil a las Artes Aplicadas de forma exclusiva. Cuando habla de “dicotomía” hace referencia a la ramificación entre uno y otro, y si realmente existe. ¿Acaso las Bellas Artes no tienen función alguna? ¿Las Artes Aplicadas logran escapar capricho de lograr algo estético?
Las Artes Aplicadas nacen con las necesidades del hombre, la de comer y proteger su cuerpo. Por lo que da inicio a la necesidad de elaborar herramientas que le permita lograr la satisfacción de las mismas. Y así se da origen a instrumentos de cocina, de higiene, herramientas para cazar y cultivar los alimentos, para coser, fabricar telas, el crear un hogar y mantenerlo caliente, para que la persona se encuentre cómoda, a temperatura y sin humedecerse de las condiciones climáticas impuestas por la región en la que vive. Y con esto, surge también el diseño aplicado a estas herramientas, como mecanismo de expresión individual de su trabajo, ya que en el ensamblaje de cada una, se da su conocimiento sobre la maleabilidad de los materiales, y sobre las necesidades y como el objeto se va a comportar acorde a estas.
En lo que respecta a las Bellas Artes, estas tienen un tema, unas emociones, unas pasiones y unos sentimientos, sea cual sea su intención, siempre está presente la función de comunicar. Es “una visión más directa de la realidad”.
Y ahora es cuando replanteamos, sea Bellas Artes o Artes Aplicadas, ¿obedecen a la necesidad de la representación visual estética, y a su vez, ambas tienen un fin útil? Si, así es. Entonces, ¿por qué se las diferencia?
Si nos volcamos a la hora del comercio, encontramos que la diferencia se encuentra como la utilidad condiciona al diseño, en cuanto al artista dueño de una pieza catalogada dentro del conjunto de Bellas Artes su limitación es solamente la imaginación. Pero he aquí que esta ecuación no siempre da el mismo resultado. Como comenta en el libro de Dondis, Miguel Angel cuando pinta la Capilla Sixtina, ¿no se ve condicionado por el fin útil de la obra, por los deseos del comprador y de sus usuarios? Según personajes de la Bauhaus y del Arts and Crafts, no existe diferencia alguna entre una y otra, por lo que las mismas están dispuestas en una misma rama, y no deben diferenciarse unas de otras.
El encerrar a las Bellas Artes dentro de un conjunto de actividades vacías de contenido y finalidad, estarían limitándonos a descubrir en el sus mensajes y darnos cuenta que uno es parte del mismo, ya que hemos influido en esa representación, tanto en la creación como en la transmisión del mensaje visual. Estaríamos negándonos un canal importante de comunicación.
El impacto de la fotografía:
En un principio, el recrear algo tal cuál se manifestaba era posible solamente en personas con la capacidad innata o bien con un adiestramiento especial y que acarreaba mucho tiempo en aprender. Con la fotografía, se amplía la capacidad de las personas a expresar algo más real, y el conocimiento a acaparar por la imagen misma. Es decir, cuando uno tiene la oportunidad de observar algo, uno experimenta con ese algo, y toma conciencia sobre el mismo. Capta un mensaje que transmite, aprende. Siendo la cámara un medio útil, que no requiere de un adiestramiento o don especial para la recreación de una imagen, hace que más personas tengan a su alcance este recurso comunicacional. Expandiéndose en el hoy en día a ser uno de los mecanismos más usados para comunicar el campo visual.
Conocimiento visual y lenguaje verbal:
Cuando uno visualiza, uno emplea una capacidad que permite generar en la mente una imagen mental, cosas que podemos o no haber visto en nuestra vida. Cuando uno genera una imagen de algo que no ha visto, esto es producto de un salto creativo, y surge como una forma de satisfacer un problema expresado.
La evolución del lenguaje comenzó con imágenes, progresó en pictógrafos, luego a unidades fonéticas y finalmente al alfabeto. Cada uno de estos pasos, se dio a favor de la evolución misma de la comunicación para lograr mayor eficiencia. Siendo que hoy en día, se muestra un indicio clave a una forma de volver a los mensajes visuales, para seguir favoreciendo a la misma.
El lenguaje ha sido clave para el avance de la civilización, ya que fue una herramienta de almacenamiento y transmisión de la información e ideas.
Es preciso hacer la distinción entre lo que es lenguaje y lo que es alfabetidad verbal, el manejar las herramientas de lectura y escritura no garantiza que podamos utilizar el lenguaje. Esto se debe a que el lenguaje es una cualidad biológicamente innata que ofrece el ser, en cuanto a lo que respecta a la alfabetidad, se debe aprender mediante un proceso escalonado. Es decir, cuando uno aprende a expresarse de forma escrita, debe comenzar con lo básico, que son los componentes, las letras, y recordar a que fonema representa cada una, una vez que se aprenda esto, recién ahí va a poder aprender la combinación para dar lugar a las palabras. Cuando se comprende las palabras, se comprende las definiciones comunes que comparten. Luego, como último paso, la sintaxis, que le va a otorgar al sujeto la alfabetidad verbal, el poder establecer un orden entre lo aprendido y hablar coherentemente.
Cabe destacar que solo el lenguaje hablado evoluciona espontáneamente.
Aunque cueste trabajo creerlo, de esta misma forma se organiza el lenguaje visual, aunque a simple vista no lo aparente.
Alfabetidad Visual:
Todos los sistemas de símbolos son invenciones del hombre, estos son los lenguajes, que surgieron todos ellos de una refinación de una percepción del objeto basado en una imagen (por eso el parecido entre algunos, todos tienen una misma raíz). Todos ellos son conjuntos lógicos. La facilidad de incorporar el lenguaje y entenderlo, depende de que tan bien establecido esté sus sistema.
La alfabetidad visual, se da prácticamente de forma natural, por este motivo se sospecha de cierta universalidad del mismo. Pero ahora bien, si uno desea realmente comprender en profundidad, de forma clara y precisa, y establecer mensajes claros y concisos a través del mismo, debe perfeccionarlo mediante el estudio del mismo. Así como en el lenguaje verbal, uno aprende a escribir, leer y tener en cuenta la sintaxis del mismo, esto no indica que el ser está preparado para escribir, por ejemplo, una novela o una prosa poética, por ende una persona que puede apreciar el lenguaje visual, no esté preparada a la perfección para transmitir un mensaje claro, como un artista con preparación para ello. Esto que estamos enunciando es el nivel de complejidad que dispone un lenguaje.
Cabe destacar que dicho lenguaje, no ha sido cultivado en estos años con la misma predisposición que el lenguaje verbal. Sea bien porque en una etapa se separa el arte de la artesanía, lo que genera un menor grupo dedicado a esto, además de la necesidad de tener talento para dibujar, y la falta de la enseñanza pedagógica correcta o nula. Dadas estas condiciones, se habla de una alfabetidad visual, que avanza de forma muy lenta, dejando mucho del mismo librado al azar y la intuición de los receptores, además de que muchas de sus producciones se amparan en analogías al lenguaje verbal, teniendo como resultado un tema mal estructurado. Otro factor que juega en contra, es la falta de predisposición de las personas por enseñar y por comprender limitándose a determinar si es de su agrado o no, sin hacer un mínimo esfuerzo por intentar descubrir lo que se comunica, tomándolo como algo superficial y frívolo, y no con el carácter que dispone.
Una aproximación a la alfabetidad visual:
A pesar de todos los inconvenientes antes mencionados, existe una sintaxis visual. Existen líneas generales en las composiciones, así como también elementos básicos a tener en cuenta a la hora de crear mensajes visuales, para lograr una mejor comprensión de los mismos. El mismo dispone de unas variaciones en las estructuras básicas según el grupo humano que lo comparte. De todos modos, el proceso de captar el mensaje, es muy individual, ya que se ve definido por nuestras experiencias de vida, contextos socioculturales, situaciones emocionales que atravesamos, nuestra susceptibilidad a lo que nos rodea es lo que nos ayuda a definir algunos de los caracteres de la alfabetidad visual.
La alfabetidad visual nunca alcanzará el nivel de lógica que dispone el lenguaje. Ya que los mismos son sistemas creados por el hombre para codificar, almacenar y decodificar información, tiene una estructura lógica que la alfabetidad visual no va a poder alcanzar.
Algunas características de los mensajes visuales:
Los datos visuales presentan tres niveles distintivos e individuales de inteligencia visual:
1. Input visual: consiste en una enorme cantidad definida de símbolos, representados detalladamente de la realidad o completamente abstractos arbitrarios.
2. El material visual representacional: lo que reconocemos en el entorno y podemos reproducirlo en un dibujo, pintura, etc. basado más que nada en la experiencia propia directa que va más allá de la percepción. Ver los procesos para comprenderlos. (“Confiamos en nuestros ojos y dependemos de ellos”)
3. Infraestructura abstracta: es el mensaje visual puro, por ser la composición visual abstracta. Es el “todo” que vemos, la visión global. sea natural o esté compuesto por efectos intencionados.
La fuerza del mensaje radica en la composición total, es decir se analiza el conjunto de símbolos utilizados, y no cada uno por separado. Ya que cobran importancia dentro de una estructura que organiza a cada uno de ellos en el correcto lugar para transmitir el mensaje de la forma más clara posible. Las técnicas son las encargadas de la manipulación de la ubicación o uso de cada uno de los elementos visuales y es lo que genera el mensaje en si, actúan como conectores entre la intención y el resultado. El conocimiento de las mismas es lo que logrará que una persona comunique de forma más efectiva que otra que no disponga del mismo.
Cuando uno ve, desencadena un proceso simultaneo, que de forma inconciente, delimita un campo visual y lo analiza, decodificando distintos tipos de símbolos. Uno está innatamente capacitado para lograr captar un mensaje visual, la diferencia con la difusión del lenguaje verbal y la de la alfabetidad visual, es que esta última, fue durante mucho tiempo guardada celosamente para el uso exclusivo de los artistas. Por eso, cuando se presenta la cámara, el cine, la televisión, los videos, los medios visuales de todo tipo, se modifica nuestra definición no tan solo de la educación, sino de la inteligencia misma, y se amplia el mercado del conocimiento. Se necesita una revisión de estas capacidades y proseguir desarrollando un sistema estructural, una metodología para la enseñanza y aprendizaje del modo de expresión visual que abarque no tan solo a diseñadores y artistas, sino también a la persona común y corriente, para incluirla dentro del canal comunicacional, para que todos podamos ver lo mismo.
(nota: este capítulo incluye una breve introducción a lo que es el contraste y la armonía, el cuál omití porque el capítulo 5 da mayor detalle sobre los mismos)
Así como el lenguaje escrito, que en este momento utilizo para comunicar lo que deseo explicar, el medio visual posee su propio lenguaje, su alfabeto. Y dispone de reglas básicas para poder comunicar.
En un principio este alfabeto visual era requerido solamente por personas allegadas a la rama del arte, hoy en día, es necesario ampliar las barreras de este lenguaje, y tratar de que un gran público pueda apreciar los mensajes visuales como debe ser, por lo tanto, deben ser instruidos para su comprensión.
El proceso de la visión, el acumular informaciones visuales, es requerido por el ser. Buscamos constantemente basar nuestro conocimiento en lo visual, por su proximidad a la experiencia real, ya que la capacidad de ver, supera abismalmente cada uno de los otros sentidos a la hora de fiarnos de ellos. Se busca esta representación icónica, y a partir de ella aprendemos y comprendemos de nuestro entorno.
La falsa dicotomía: Bellas Artes y Artes Aplicadas:
En este punto se disputa si existe la diferencia entre las Bellas Artes y las Artes Aplicadas basándose en su desarrollo y funcionalidad, atribuyendo solamente el carácter estético a las Bellas Artes y el carácter útil a las Artes Aplicadas de forma exclusiva. Cuando habla de “dicotomía” hace referencia a la ramificación entre uno y otro, y si realmente existe. ¿Acaso las Bellas Artes no tienen función alguna? ¿Las Artes Aplicadas logran escapar capricho de lograr algo estético?
Las Artes Aplicadas nacen con las necesidades del hombre, la de comer y proteger su cuerpo. Por lo que da inicio a la necesidad de elaborar herramientas que le permita lograr la satisfacción de las mismas. Y así se da origen a instrumentos de cocina, de higiene, herramientas para cazar y cultivar los alimentos, para coser, fabricar telas, el crear un hogar y mantenerlo caliente, para que la persona se encuentre cómoda, a temperatura y sin humedecerse de las condiciones climáticas impuestas por la región en la que vive. Y con esto, surge también el diseño aplicado a estas herramientas, como mecanismo de expresión individual de su trabajo, ya que en el ensamblaje de cada una, se da su conocimiento sobre la maleabilidad de los materiales, y sobre las necesidades y como el objeto se va a comportar acorde a estas.
En lo que respecta a las Bellas Artes, estas tienen un tema, unas emociones, unas pasiones y unos sentimientos, sea cual sea su intención, siempre está presente la función de comunicar. Es “una visión más directa de la realidad”.
Y ahora es cuando replanteamos, sea Bellas Artes o Artes Aplicadas, ¿obedecen a la necesidad de la representación visual estética, y a su vez, ambas tienen un fin útil? Si, así es. Entonces, ¿por qué se las diferencia?
Si nos volcamos a la hora del comercio, encontramos que la diferencia se encuentra como la utilidad condiciona al diseño, en cuanto al artista dueño de una pieza catalogada dentro del conjunto de Bellas Artes su limitación es solamente la imaginación. Pero he aquí que esta ecuación no siempre da el mismo resultado. Como comenta en el libro de Dondis, Miguel Angel cuando pinta la Capilla Sixtina, ¿no se ve condicionado por el fin útil de la obra, por los deseos del comprador y de sus usuarios? Según personajes de la Bauhaus y del Arts and Crafts, no existe diferencia alguna entre una y otra, por lo que las mismas están dispuestas en una misma rama, y no deben diferenciarse unas de otras.
El encerrar a las Bellas Artes dentro de un conjunto de actividades vacías de contenido y finalidad, estarían limitándonos a descubrir en el sus mensajes y darnos cuenta que uno es parte del mismo, ya que hemos influido en esa representación, tanto en la creación como en la transmisión del mensaje visual. Estaríamos negándonos un canal importante de comunicación.
El impacto de la fotografía:
En un principio, el recrear algo tal cuál se manifestaba era posible solamente en personas con la capacidad innata o bien con un adiestramiento especial y que acarreaba mucho tiempo en aprender. Con la fotografía, se amplía la capacidad de las personas a expresar algo más real, y el conocimiento a acaparar por la imagen misma. Es decir, cuando uno tiene la oportunidad de observar algo, uno experimenta con ese algo, y toma conciencia sobre el mismo. Capta un mensaje que transmite, aprende. Siendo la cámara un medio útil, que no requiere de un adiestramiento o don especial para la recreación de una imagen, hace que más personas tengan a su alcance este recurso comunicacional. Expandiéndose en el hoy en día a ser uno de los mecanismos más usados para comunicar el campo visual.
Conocimiento visual y lenguaje verbal:
Cuando uno visualiza, uno emplea una capacidad que permite generar en la mente una imagen mental, cosas que podemos o no haber visto en nuestra vida. Cuando uno genera una imagen de algo que no ha visto, esto es producto de un salto creativo, y surge como una forma de satisfacer un problema expresado.
La evolución del lenguaje comenzó con imágenes, progresó en pictógrafos, luego a unidades fonéticas y finalmente al alfabeto. Cada uno de estos pasos, se dio a favor de la evolución misma de la comunicación para lograr mayor eficiencia. Siendo que hoy en día, se muestra un indicio clave a una forma de volver a los mensajes visuales, para seguir favoreciendo a la misma.
El lenguaje ha sido clave para el avance de la civilización, ya que fue una herramienta de almacenamiento y transmisión de la información e ideas.
Es preciso hacer la distinción entre lo que es lenguaje y lo que es alfabetidad verbal, el manejar las herramientas de lectura y escritura no garantiza que podamos utilizar el lenguaje. Esto se debe a que el lenguaje es una cualidad biológicamente innata que ofrece el ser, en cuanto a lo que respecta a la alfabetidad, se debe aprender mediante un proceso escalonado. Es decir, cuando uno aprende a expresarse de forma escrita, debe comenzar con lo básico, que son los componentes, las letras, y recordar a que fonema representa cada una, una vez que se aprenda esto, recién ahí va a poder aprender la combinación para dar lugar a las palabras. Cuando se comprende las palabras, se comprende las definiciones comunes que comparten. Luego, como último paso, la sintaxis, que le va a otorgar al sujeto la alfabetidad verbal, el poder establecer un orden entre lo aprendido y hablar coherentemente.
Cabe destacar que solo el lenguaje hablado evoluciona espontáneamente.
Aunque cueste trabajo creerlo, de esta misma forma se organiza el lenguaje visual, aunque a simple vista no lo aparente.
Alfabetidad Visual:
Todos los sistemas de símbolos son invenciones del hombre, estos son los lenguajes, que surgieron todos ellos de una refinación de una percepción del objeto basado en una imagen (por eso el parecido entre algunos, todos tienen una misma raíz). Todos ellos son conjuntos lógicos. La facilidad de incorporar el lenguaje y entenderlo, depende de que tan bien establecido esté sus sistema.
La alfabetidad visual, se da prácticamente de forma natural, por este motivo se sospecha de cierta universalidad del mismo. Pero ahora bien, si uno desea realmente comprender en profundidad, de forma clara y precisa, y establecer mensajes claros y concisos a través del mismo, debe perfeccionarlo mediante el estudio del mismo. Así como en el lenguaje verbal, uno aprende a escribir, leer y tener en cuenta la sintaxis del mismo, esto no indica que el ser está preparado para escribir, por ejemplo, una novela o una prosa poética, por ende una persona que puede apreciar el lenguaje visual, no esté preparada a la perfección para transmitir un mensaje claro, como un artista con preparación para ello. Esto que estamos enunciando es el nivel de complejidad que dispone un lenguaje.
Cabe destacar que dicho lenguaje, no ha sido cultivado en estos años con la misma predisposición que el lenguaje verbal. Sea bien porque en una etapa se separa el arte de la artesanía, lo que genera un menor grupo dedicado a esto, además de la necesidad de tener talento para dibujar, y la falta de la enseñanza pedagógica correcta o nula. Dadas estas condiciones, se habla de una alfabetidad visual, que avanza de forma muy lenta, dejando mucho del mismo librado al azar y la intuición de los receptores, además de que muchas de sus producciones se amparan en analogías al lenguaje verbal, teniendo como resultado un tema mal estructurado. Otro factor que juega en contra, es la falta de predisposición de las personas por enseñar y por comprender limitándose a determinar si es de su agrado o no, sin hacer un mínimo esfuerzo por intentar descubrir lo que se comunica, tomándolo como algo superficial y frívolo, y no con el carácter que dispone.
Una aproximación a la alfabetidad visual:
A pesar de todos los inconvenientes antes mencionados, existe una sintaxis visual. Existen líneas generales en las composiciones, así como también elementos básicos a tener en cuenta a la hora de crear mensajes visuales, para lograr una mejor comprensión de los mismos. El mismo dispone de unas variaciones en las estructuras básicas según el grupo humano que lo comparte. De todos modos, el proceso de captar el mensaje, es muy individual, ya que se ve definido por nuestras experiencias de vida, contextos socioculturales, situaciones emocionales que atravesamos, nuestra susceptibilidad a lo que nos rodea es lo que nos ayuda a definir algunos de los caracteres de la alfabetidad visual.
La alfabetidad visual nunca alcanzará el nivel de lógica que dispone el lenguaje. Ya que los mismos son sistemas creados por el hombre para codificar, almacenar y decodificar información, tiene una estructura lógica que la alfabetidad visual no va a poder alcanzar.
Algunas características de los mensajes visuales:
Los datos visuales presentan tres niveles distintivos e individuales de inteligencia visual:
1. Input visual: consiste en una enorme cantidad definida de símbolos, representados detalladamente de la realidad o completamente abstractos arbitrarios.
2. El material visual representacional: lo que reconocemos en el entorno y podemos reproducirlo en un dibujo, pintura, etc. basado más que nada en la experiencia propia directa que va más allá de la percepción. Ver los procesos para comprenderlos. (“Confiamos en nuestros ojos y dependemos de ellos”)
3. Infraestructura abstracta: es el mensaje visual puro, por ser la composición visual abstracta. Es el “todo” que vemos, la visión global. sea natural o esté compuesto por efectos intencionados.
La fuerza del mensaje radica en la composición total, es decir se analiza el conjunto de símbolos utilizados, y no cada uno por separado. Ya que cobran importancia dentro de una estructura que organiza a cada uno de ellos en el correcto lugar para transmitir el mensaje de la forma más clara posible. Las técnicas son las encargadas de la manipulación de la ubicación o uso de cada uno de los elementos visuales y es lo que genera el mensaje en si, actúan como conectores entre la intención y el resultado. El conocimiento de las mismas es lo que logrará que una persona comunique de forma más efectiva que otra que no disponga del mismo.
Cuando uno ve, desencadena un proceso simultaneo, que de forma inconciente, delimita un campo visual y lo analiza, decodificando distintos tipos de símbolos. Uno está innatamente capacitado para lograr captar un mensaje visual, la diferencia con la difusión del lenguaje verbal y la de la alfabetidad visual, es que esta última, fue durante mucho tiempo guardada celosamente para el uso exclusivo de los artistas. Por eso, cuando se presenta la cámara, el cine, la televisión, los videos, los medios visuales de todo tipo, se modifica nuestra definición no tan solo de la educación, sino de la inteligencia misma, y se amplia el mercado del conocimiento. Se necesita una revisión de estas capacidades y proseguir desarrollando un sistema estructural, una metodología para la enseñanza y aprendizaje del modo de expresión visual que abarque no tan solo a diseñadores y artistas, sino también a la persona común y corriente, para incluirla dentro del canal comunicacional, para que todos podamos ver lo mismo.
(nota: este capítulo incluye una breve introducción a lo que es el contraste y la armonía, el cuál omití porque el capítulo 5 da mayor detalle sobre los mismos)
Hola
Bienvenidos a mi nuevo Blog.
En el mismo voy a publicar trabajos prácticos, resúmenes y demás cosas que haya sufrido, padecido y amado. Como siempre digo con mis amigos, estudiar en la UBA es un bello placer sádico.
En fin, también me han dicho que los que estudiamos Diseño en la UBA somos creidos y arrogantes, como si fueramos los mejores... Lamento informárcelos, pero lo somos...
Recibirse es realmente toda una proesa, superar el CBC, luego las aulas atestadas de gente y en pésimas condiciones, no es cosa para cualquiera.
Este Blog va a demostrar el borde de demencia que debe tener uno para poder seguir, continuar y amar todo esto que otro no sabe apreciar o simplemente considera un acto morbo.
Todos confesamos, realmente amamos la FADU, asi como es... Como asi Mark Darci ama a Bridget Jones, nosotros amamos la FADU, just the way it is. Durmiendo una sumatoria de 10 horas la semana antes de la entrega, conociendo más la casa de tu compañero de entrega y los salones vacios del entrepiso donde te reunís más que tu propia casa. Apreciando las demoras en las teóricas para dormir una breve siestita de 15 minutos antes que el micrófono empieze a chillar, porque siempre chilla, nunca anda bien de entrada...
Sin irnos más lejos, di inicio a la carrera de Diseño de Indumentaria y textil en Julio del 2008
Me encuentro cursando:
Sociología - Cátedra Saulquin
Fundamentos del Diseño - Cátedra Gavito
Por lo que van a encontrar solo los resúmenes de estas cátedras.
Saludos, y nuevamente, Bienvenidos
En el mismo voy a publicar trabajos prácticos, resúmenes y demás cosas que haya sufrido, padecido y amado. Como siempre digo con mis amigos, estudiar en la UBA es un bello placer sádico.
En fin, también me han dicho que los que estudiamos Diseño en la UBA somos creidos y arrogantes, como si fueramos los mejores... Lamento informárcelos, pero lo somos...
Recibirse es realmente toda una proesa, superar el CBC, luego las aulas atestadas de gente y en pésimas condiciones, no es cosa para cualquiera.
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Sin irnos más lejos, di inicio a la carrera de Diseño de Indumentaria y textil en Julio del 2008
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